lunes, 10 de marzo de 2014

Se Alquila / Estado



Proyecto SeAlquila
Muestra efímera de creación contemporánea en espacios en desuso
Cuarta Edición. Ciudad de Guatemala - Buenos Aires - Madrid

BASES CONVOCATORIA 2014

El Proyecto
El Proyecto SeAlquila nace en 2012 en Madrid con la pretensión de dotar de actividad y visibilidad a espacios infrautilizados, mostrar las instalaciones y posibilidades de los mismos mediante la organización de fugaces eventos culturales de carácter multidisciplinar, y convertirlos eventualmente en escaparates para la creatividad, lugares de creación, aprendizaje, reflexión y disfrute.

SeAlquila, por otra parte, ofrece un lugar de trabajo y un medio inusual por el cual los artistas participantes pueden exponer su trabajo, accediendo así a nuevos públicos. La propuesta consigue acercarse a sus visitantes rompiendo la barrera de la galería o la institución expositiva, aumentando la base de alcance y la experiencia de la creación contemporánea.

Mediante convocatoria abierta, se invita a la participación de creadores y creadoras de todas las disciplinas a presentar sus propuestas, con un único condicionante: reflexionar sobre un concepto dado, que sirva de elemento de cohesión y diálogo en la muestra expositiva.

Hasta el momento el Proyecto SeAlquila ha celebrado tres ediciones, todas ellas en espacios en desuso de la ciudad de Madrid: SeAlquila Burbuja (febrero 2012), SeAlquila Cuerpo (octubre 2012) y SeAlquila Mercado (mayo 2013).

En los últimos meses el equipo del proyecto se ha diseminado entre Buenos Aires, Ciudad de Guatemala y Madrid, capitales que serán sedes simultáneas de la cuarta edición del Proyecto SeAlquila, que se celebrará a mediados del mes de junio de 2014. Para esta ocasión, el término conceptual propuesto será: ESTADO.

El término
El Diccionario de la Real Academia Española recoge hasta 16 acepciones para el término “estado”: modos de ser o estar de algo o alguien, el estado civil, el conjunto de órganos de gobierno de un país, los estamentos sociales, la condición de cada persona en relación con los derechos y obligaciones civiles que rigen un territorio. Estado de ánimo, estado de bienestar, estado de sitio, estado de buena esperanza, estado de excepción, estado de cuentas, estados unidos, estado de alarma, golpe de estado, estado de gracia, estado de facebook.

Hablar de la situación actual, poliédrica y multifacética, es hablar de una realidad en cambio, un estado presente inmerso en el proceso de transformación. Cambiamos, nos reinventamos, nos rebelamos. Vivimos la alteración del presente, de los modelos económicos, políticos, sociales, de valores. Resistencias y derivas se dan la mano.

Si calentamos un líquido, éste se evapora, el acero se funde. ¿Será solo cuestión de temperatura? ¿Y las sociedades, las personas y sus relaciones? Pasar de estado, de la solidez de la certeza a la volatilidad de los cambios permanentes. Evolucionamos, por necesidad o interés, mutando nuestro estado físico, mental y legal en un devenir de transformaciones. 

Los participantes
En esta ocasión invitamos a creadores y creadoras, colectivos y asociaciones, de cualquier disciplina (pintura, escultura, fotografía, instalación, ilustración, edición, diseño, vídeo, música, teatro, danza, cine, moda, arte sonoro, artesanía, performances, literatura, net.art, arquitectura, gastronomía o cualquier manifestación de la cultura contemporánea) a que propongan trabajos relacionados con alguna de las acepciones o interpretaciones de la palabra "estado".

Las propuestas
- Deben reflexionar sobre el concepto “estado” en cualquiera de sus significados.
- Pueden ser obras producidas, en proceso, creadas ad hoc o in situ.
- Se enviarán mediante un formulario online disponible al final de estas bases. Una vez completado, podrá añadirse información adicional por email.

La localización
SeAlquila Estado se celebrará simultáneamente en Buenos Aires, Ciudad de Guatemala y Madrid en espacios no convencionales de grandes dimensiones.

Las fechas
- Envío de propuestas: desde el 1 de febrero hasta el 1 de abril de 2014
- Respuesta a las propuestas recibidas: a partir del 10 de abril de 2014
- SeAlquila Estado: 12, 13 y 14 de junio de 2014

Las condiciones
- Los creadores podrán vender, comprar, alquilar o regalar su obra, sin intermediación del equipo del proyecto.
- No existe ningún acuerdo económico entre el Proyecto SeAlquila y los creadores.
- Los participantes deberán ajustarse a los criterios de exhibición del Equipo SeAlquila.
- La producción de la obra correrá a cargo de los creadores.
- El Proyecto SeAlquila no puede hacerse responsable de la seguridad de la obra expuesta, si bien, colaborará durante la realización del evento, en la vigilancia y correcta instalación de las piezas.

Si deseas inscribir tu propuesta, rellena ESTE formulario. Para cualquier duda o aclaración puedes contactarnos escribiendo a creadores@sealquilaproyecto.es.




miércoles, 12 de febrero de 2014

Juguemos en la tierra. Comunicado de prensa



La Alianza Francesa de Guatemala los invita a la inauguración de la exposición colectiva “Juguemos en la Tierra”, que reúne a 4 fotógrafos, siendo uno de ellos el ganador del 4to lugar a nivel internacional en el concurso organizado por la Fundación Alianza Francesa de París, Miércoles 12 de Febrero de 2014, a las 19hrs, en la Galería de Arte de la Alianza Francesa de Guatemala.

En qué consistió el concurso
El concurso consistió en la realización de fotografías cuyo tema fue “Jugamos en la tierra”. Mostrando los juegos en sus varias funciones sociales y culturales (juegos de mesa, juegos de apuestas, videojuegos, juegos en el aire libre, juegos de niños, competiciones deportivas…). Y descubrir así juegos singulares, vinculados a ciertas tradiciones, llevando la mirada sobre sus evoluciones.

Ganador:
Luis Pedro Iriarte Irungaray

Participantes:
Eunice Lam
Eunice Sabaján
Hilary Daiandra Pineda Martinez
Josué Samol Navichoc

Sobre el ganador:
Luis Pedro Iriarte Irungaray (Ciudad de Guatemala, 15 de octubre de 1988) arquitecto y fotógrafo guatemalteco.
Estudió en el Centro Educativo Gran Moyas durante su vida escolar. Estudió algunos meses de intercambio en Rhode Island, Estados Unidos y luego su formación universitaria como arquitecto la desarrolló en la Universidad Rafael Landivar, Ciudad de Guatemala. Obtuvo su título de licenciado en arquitectura en el año 2013.
Luis Pedro Iriarte es hijo de una familia de artistas. Los Iriarte se destacaron en la música y la pintura. Su abuelo, Luis Alfredo Iriarte Magnín, fue caricaturista de la revista Alegría en la década de los 50´s, fotógrafo y tuvo una de las primeras compañías cinematográficas de Guatemala, LAIMAN. También fue cartógrafo, colorista, y fundador de la compañía de títeres Gigñolen los años 60´s junto a su esposa, Carmen Antillón, quien fue actriz de teatro de la Universidad Populary de televisión de los primeros canales de Guatemala. Juntos trabajaron por más de 40 años presentando espectáculos en toda la república. Su hijo Luis Alfredo Iriarte Antillón también es arquitecto y fotógrafo de la tecnología análoga. Es aquí donde Luis Pedro siente un gran interés por ambas profesiones.
Fotografía
Desde muy pequeño a Luis Pedro se interesó mucho por la fotografía. Utilizaba las cámaras profesionales de su padre y experimentaba con fotografías y video sin tener idea alguna de cómo funcionaban exactamente. A sus 10 años compró su primera cámara fotográfica de rollo durante un viaje a Estados Unidos. A sus 12 años realizaba películas de video y “stop-motion” utilizando una vieja cámara de video de su padre y un escenario que él mismo construía con manteles, toallas, duro-port y cajas de cartón.
Durante los años se sintió cada vez más interesado en las cámaras profesionales de su padre y los efectos que lograba con fotografías de noche y efectos de luces, así que un día su padre le explicó los términos de velocidad y abertura del diafragmaen la fotografía y esto marcó su gusto por continuar experimentando con las cámaras.
Con los años continuó tomando fotografías y experimentando los diferentes tipos de técnicas que la tecnología moderna aportaba a las cámaras. Con el transcurso de la practica su forma de ver las cosas fue cambiando, logrando ver los objetivos y escenas de la vida desde un ángulo y perspectiva diferente, cambios que se fueron dando conforme la madurez de su experiencia, asi como las mejoras en la tecnología aumentaron y mejoraron.
Hoy en día es un fotógrafo que ha aprendido con su propia experiencia e investigación temas que desconoce y experimentando con la práctica.
Lo más relevante
En septiembre de 2013 ganó como fotografía de la semana del concurso Metro PhotoChallenge de Publinews y fue publicado el 20 del mismo mes en la edición impresa y en la página electrónica.
A finales del 2013 lanzó su marca de fotografía al público con el nombre de Shoot a MomentPhotography, creciendo cada día más su audiencia en la fan page de Facebook con el mismo nombre.
A finales de enero del 2014 quedó dentro de los primeros 5 lugares del concurso internacional de fotografía de la Fundación Alianza Francesa de París, donde participaron más de 60 países.

Contacto
Para contactar a Luis Pedro Iriarte puedes buscarlo en:
Flickerwww.flicker.com - Luis Pedro Iriarte
Facebook www.facebook.com/shootamoment Shoot a Moment Photography

La Alianza Francesa de Guatemala los invita a la inauguración de la exposición colectiva “Juguemos en la Tierra”, que reúne a 4 fotógrafos, siendo uno de ellos el ganador del 4to lugar a nivel internacional en el concurso organizado por la Fundación Alianza Francesa de París, Miércoles 12 de Febrero de 2014, a las 19hrs, en la Galería de Arte de la Alianza Francesa de Guatemala.

miércoles, 29 de enero de 2014

La memoria es una plusvalía extraña

"Alegría compartida" Roberto González Goyri, 1993


LA MEMORIA ES UNA PLUSVALÍA EXTRAÑA
Javier Payeras
El criterio es acaso el más difícil de los trabajos técnicos relacionados con el arte. Quizá porque estamos acostumbrados a que se mencione que la belleza es algo subjetivo, pero también porque dentro de nuestros incipientes conocimientos anotamos que el arte es necesariamente “bello”.
Ejercer el criterio tiene algo de tormento. Equivocarse es un riesgo constante. La normalidad es que muy pocos críticos logren alcanzar alguna trascendencia. Quien dispara su opinión en contra o a favor de una obra de arte escribe un testamento. Su juicio es sujeto de juicio. Abre la posibilidad hacia lo perdurable o construye una brecha que nadie se atreverá a cruzar. Señalar, anotar y concluir son cargas demasiado pesadas para un ser humano, sobre todo en algo tan cambiante e inconcluso como la creación artística.
La obra maestra no es otra cosa que un cúmulo de juicios alrededor de algo elaborado. Juicios trascendentes o juicios apresurados. Tal cosa –el juicio- es lo que se conserva tanto en la memoria impresa como en las adscripciones colectivas. La memoria que tiene su propia plusvalía, la memoria que es una plusvalía extraña.
La memoria es inversión en todo lo que tasamos como arte. Porque más allá del lucro, el mercantilismo y el adormecimiento consumista de las subastas o las facturas de efecto detrás de un tema, de un autor o de una obra de arte en específico, es la memoria la que realmente conserva el valor y la disposición para que el trabajo creativo de un autor mantenga fresco su paso entre una y otra generación. Cualquier novedad (de sobreestima apresurada) termina siendo como la botella de champaña que, una vez destapada, va perdiendo su sabor original; sabor que a la posteridad pasará únicamente como un resabio, una suerte de enlace entre dos acontecimientos relevantes. En el criterio siempre existe el riesgo de quedarse atrapado en el entusiasmo como certeza, dejando orillada esa impopular –pero necesaria- observación franca del desapego.
La inversión en la memoria está de baja por estos tiempos. Cubrir su costo requiere de un esfuerzo que, en momentos tan proclives a lo desechable, solo parece despertar el interés de mecenazgos que dan valor a la trascendencia de la cultura en la historia. Siendo (en países con precarias instituciones gubernamentales relacionadas con el tema) la única fuente de ingresos para la organización de museos, bibliotecas o de colecciones de arte.
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Acumular no es categorizar. Porque la acumulación sin juicio, no es otra cosa que llenar espacios. Esa suerte de epidemia de horror vacui que lleva a colmar hasta el ridículo cada espacio habitable.
Tanto el gusto como el mal gusto son temperaturas. El sustantivo, tanto en su afirmación como en su negación, presenta un problema. Puede que aquella cosa sin valor actual, represente un importante testimonio de su época. Puede que aquello cotizado hasta las nubes gracias a una eficiente labor publicitaria, termine almacenado entre las toneladas de chatarra que las generaciones presentes dejaremos como carga al futuro.
De la misma forma, acumular obras de arte no es coleccionar. Una colección se hace a partir de discriminar entre lo que realmente tiene sustento. Al adquirir una obra de arte, el coleccionista no busca a partir de su propio juicio y darle con éste un valor al trabajo seleccionado. Busca criterios diversos y contrastantes -aunque siempre informados- que puedan asesorarle tanto en el valor artístico, como en el valor histórico, antropológico o científico de lo adquirido. Una pieza es la representación y el concepto que se vuelven cultura a través de una reflexión congelada para el futuro.
La coherencia de una colección se refleja en lo que nos muestra. La claridad en cuanto a su selección puede darnos luces acerca del criterio con que fueron adquiridas. Los ejemplos más admirados son los más audaces. Un caso emblemático es el de Peggy Guggenheim, que apostó desde muy joven por la adquisición de artistas modernos; adquirir obras fundamentales del siglo XX fue su legado, comprando el trabajo de forma directa con los mismos artistas, muchos de ellos marginados de los círculos autocomplacientes de la subasta y de la galería. Su inversión fue visionaria por su oído siempre receptivo a escuchar a varios interlocutores, siendo acaso el más genial de ellos, Marcel Duchamp. Hoy día, su apellido significa museos, significa becas, significa publicaciones… su presencia en el arte contemporáneo es innegable a casi cuatro décadas de su muerte.
Así es como una colección no se arma con los cuadros que decoran una sala, sino con el riguroso estudio de los objetos que dan voz a la memoria. Especializada o no, una colección es asunto de heredar un valor, un espacio de convivencia.
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Alrededor del arte, suceden mil cosas. Unos artistas pueden trabajar día y noche recluidos en sus estudios leyendo o perfeccionando sus técnicas; otros pueden ser activistas capaces –literalmente- de sacudir montañas para dejar bien clara su postura política; otros pueden hallar en los estrechos más asfixiantes de nuestra cotidianidad su objeto de valor; otros pueden experimentar en su obra aquellas voces que vienen del pasado; otros pueden darnos silencios, gritos, máscaras… Pero alrededor del arte siempre sucede algo.
El riesgo de escribir acerca de La Importancia del Arte, es que tal tema nunca llega a un puerto seguro. Acaso porque hay pocos ojos dispuestos a leer, pocos ojos dispuestos a ver y pocos oídos dispuestos a escuchar. Así que tal asunto termina siempre entre convencidos. Pero corriendo el riesgo de atizar una vieja discusión, pienso que el arte es importante porque significa “símbolos”. Símbolos que luego nos reúnen, nos enlazan. Son esos espacios de convergencia donde el tiempo se explica desde la vida misma. Lo hallado en una fotografía, en una escultura, en un dibujo o en una pieza de diseño no es más que el vínculo entre la experiencia y el pensamiento.
Actualmente las colecciones de arte son espacios de formación y apoyo para investigadores, creadores y especialistas en diversos temas. Organizan exposiciones con regularidad, abren sus puertas para que el público pueda conocer el acervo que poseen y mantienen agendas pedagógicas para reforzar el arte en los centros educativos.
La educación es el punto de partida. Explicamos el arte, para explicar que existimos. Los nuevos públicos que se forman desde niños en la apreciación de una obra, reciben ese complemento sensible que pone una distancia entre la palabrería enajenada por la repetición de datos y la dialéctica del pensamiento crítico-propositivo. Cuando existe la meta de resguardar la memoria, quien asume tal compromiso también permanece. De eso que invertir en cultura, es orientar la cultura; organizar la cultura es permanecer en la cultura. Y cultura es todo lo que nos trasciende.

Texto para revista Galería de Fundación G&T Continental No. 46, enero 2014.



viernes, 24 de enero de 2014

Registros por Regina Prado


 La crisis ecológica es,  sin lugar a dudas, un tema que ha emergido en los últimos  años y relacionado al arte para ser más específicos, en los discursos de la eco-estética, dado que existe una emergencia ecológica mundial.    La ciudad de Guatemala vive un cambio climático acelerado debido a corrientes de aire provenientes de ciertas áreas que suelen llevar partículas contaminantes hacia el sur. El viento va en declive. La crisis de contaminación que ha generado la sociedad tecnológica industrial contemporánea le ha dado la bienvenida a otro factor que disminuye la calidad de vida: “la contaminación visual”.  El entorno es alterado de una manera dramática por la cantidad de anuncios, carteles, panorámicos, cables, antenas de telefonía celular y luminosidad, afectando así las condiciones y calidad de vida de los habitantes de una ciudad. 

Las obras de Regina Prado nos hacen cuestionarnos y nos colocan en evidencia este desequilibrio que se vive en la ciudad, desde un punto de vista estético, se enlaza con una fuerte preocupación política de la ecología; en un nivel subjetivo nos cuestiona sobre la condición y responsabilidad respecto a la libertad individual, en un medio ambiente social que nos debemos unos a otros. La artista nos recuerda como los modos de vida tanto individuales como colectivos, se han convertido en “razor ribbon”, esas mallas metálicas llenas de púas que lejos de ofrecernos seguridad, nos aíslan del diálogo, de la convivencia, de la humanidad. 

Regina Prado realiza un registro en fotografía y video sobre  la contaminación del paisaje, el caos urbano-humano, así como la huella que ha dejado un plástico desgastado, elemento que nos hace un llamado de atención a reflexionar sobre el crecimiento desmedido de la ciudad, la producción y el consumo, ¿Es éste nuestro único motor de bienestar? 

La artista delinea una serie de cercas de malla y tótems contemporáneos, crea monstruos sobrenaturales que se desdibujan en la ciudad acechándonos; y es que así es la contaminación, un monstruo que nos vigila o persigue con cautela para no ser notado.
Las obras que se exhiben en estos “registros” de la artista Regina Prado, hacen un vínculo entre arte contemporáneo y ecología política, dado que no se puede desvincular lo estético en los procesos sociales y lo subjetivo.

Sandra Monterroso. 18.01.2014.