"A Jackie con nuestro corazón" por Sergio Ramírez

 ...continuación

Publicado en  "Letras" de Revista Alero de la Universidad de San Carlos de Guatemala, No. 1 3a. época, julio-agosto 1973.

Imágenes cortesía de Legado DS y Fundación YAXS.

Carmen L. Pettersen

Carmen L. Pettersen

Naturaleza, cultura y paisajes de la bocacosta guatemalteca. 1930-1984

Inauguración: 15 de febrero 2017

Abierta al público del 15 al 28 de febrero 2017

Museo Ixchel del Traje Indígena, campus Universidad Francisco Marroquín

Entrada libre

Carmen L. Pettersen (1900-1991) es conocida por su proyecto más visible: el registro de trajes tradicionales de distintas regiones del altiplano de Guatemala, uno de los mayores legados que un artista ha aportado al país. Sin embargo, después de 40 años, esa colección de acuarelas sigue eclipsando el otro tema que ocupó a la artista toda su vida: la pintura de paisaje.  La admiración que Carmen tenía por este género pictórico y el entorno tropical que le envolvió, quedó evidenciada en más de 400 acuarelas de distintos formatos. Hasta los 80 años, en un proceso de deterioro de su vista, Carmen L. Pettersen siguió capturando de manera magistral los paisajes de la bocacosta guatemalteca, con sus árboles mitológicos, su clima tórrido  y esa densa humedad que alimenta a la vegetación al punto de desarrollar proporciones inciertas.

               A pesar de que realizó su primera exposición en Guatemala en 1923, Carmen L. Pettersen estuvo ausente del círculo de paisajistas que surgieron y tipificaron la plástica de las décadas de los 30 y 40, a la sombra del dictador Jorge Ubico. Su talento comenzó a reconocerse y hacerse visible hasta entrados los años 50. Su relación tardía como mentora de artistas como Ana María Rademann, también fue prolífica. La correspondencia que mantuvo con ella le permitió a Carmen escribir y ordenar sus ideas y técnicas pictóricas. Como pintora fiel de la bocacosta, estimó que no era necesario caer en el arquetipo del trópico de colores infinitos.

               Aun nacida en Guatemala, Carmen poseía la mirada europea sobre la pintura de paisaje. Su rigurosa formación artística fue heredera de la escuela victoriana y, de manera específica, producto de sus años de estudiante en la Polytechnic Art School de Regent Street en Londres. En muchos sentidos, su relación con la bocacosta denota el lugar que ocupó el paisaje y la naturaleza en la vida de los ingleses, así como en el arte, las ciencias, la literatura y el diseño de jardines. 

               Carmen L. Pettersen nació en Guatemala en el año 1900. A los 4 años de edad su familia se trasladó a Londres. Por los vínculos laborales que su padre mantuvo con empresas de inversión en fincas de café en Guatemala, Centroamérica y el sur de México, regresó a Guatemala en 1920 y contrajo matrimonio con Leif Lind Pettersen en 1925. Carmen fue la “eterna extranjera en su propio país”. Exploró un entorno que pocos pintores han abordado en Guatemala y desarrolló narrativas que hasta entonces no se habían tenido en cuenta. Su universo personal y familiar fue un espacio privado pero no por ello ajeno a las dinámicas de desplazamientos de los trabajadores entre el altiplano y la costa sur.

               La acuarela fue para Carmen el medio por excelencia para penetrar las compactas masas de vegetación de la bocacosta guatemalteca, algo que solo fue superado por su empeño en cultivar un jardín de 15 manzanas de extensión, el cual existe hasta el día de hoy como extensión de su propia obra y uno de los mayores jardines botánicos de Centroamérica. Con la intención de revisar y analizar su obra, la Fundación Carmen L. Pettersen inaugura la exposición titulada Carmen L. Pettersen. Naturaleza, cultura y paisajes de la bocacosta guatemalteca el 15 de febrero en el Museo Ixchel del Traje Indígena. Esta incluye obras fechadas entre 1930 a 1984, algunas de las cuales han permanecido en colecciones privadas por muchos años y en esta oportunidad salen a la luz pública por primera vez. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 28 de febrero. Como complemento, se realizarán dos charlas, con entrada libre, el jueves 23 del mismo mes. Por la mañana se abordará el tema: Paisaje, jardines y land art. Por la tarde: Obra de Carmen L. Pettersen, paisaje e identidad.

Rosina Cazali / curadora

Rudy Cotton 2016

Rudy Cotton 2016

Por Irma de Luján

“Ahora pues, el creador y el formador dijeron otra vez más: Mientras más trabaja uno en eso, más incapaz es él de marchar a multiplicarse; que se haga pues un ser inteligente, dijeron ellos.” 

  Libro del Consejo, Popol Vuh

Con su nueva obra Meridianos, el pintor Rudy Cotton le rinde homenaje a Carlos Mérida (1891-1984). Tarea nada fácil la que se impuso Cotton, pero ya era tiempo de rendirle un homenaje al Maestro.  Inspirándose en su pintura, la serie Meridianos es  un  inteligente acercamiento a su obra. Se aleja de ella cuando difumina el color, pero logra a la vez nuevas tonalidades  y un espacio exterior que hace aún más fuerte las resonancias de la geometría, adquiriendo el conjunto una gran plenitud.  Sus formas, claramente se acercan a Mérida, si bien los conceptos son diferentes. 

Sobre la obra de Carlos Mérida se han escrito infinidad de estudios, aunque creo que el trabajo realizado por Margarita Nelken es de los más logrados, ya que con un lenguaje claro nos presenta un estudio objetivo y enriquecedor sobre su obra. El otro estudio que con un sentido poético nos introduce con gran lirismo a la obra de Mérida, es el de Luis Cardoza y Aragón, quien escribe, refiriéndose a la pintura de Mérida:  “Estas notas no fueron compuestas con el simple registro de sensaciones. Existe en ellas, podríamos decir, una estética, una coordinación intelectual que me sirve de base para organizar mis simpatías, sin que sea esto un sistema.” 

Nelken apunta que Mérida  pretendía emular un arte arcaizante, puesto que  cualquiera de sus pinturas, aisladas en cualquier país, se imponen.  La obra de Mérida de  su etapa arcaizante plasma un claro y difícil enlace con la pintura maya, la cual se ha perpetuado  en nuestros tejidos, sobre todo los del altiplano. ¿Acaso no es la diosa Ixchel, divinidad tutelar de los artistas? ¿No se le representa tejiendo? Los tejidos realizados por las mujeres del altiplano, ¿acaso no resurgen en las cenefas interiores del Banco de Guatemala?  

Sabido es que la paleta maya probablemente sea la más rica y elaborada de la América precolombina. Basta con el ejemplo de Bonampak para confirmarlo. Es este mural, admiramos la composición, el movimiento, el color y la sabiduría para resolver las relaciones de las formas con la arquitectura. Mérida revive los colores ancestrales y actuales en planchas de cobre y esmalte, logrando que el conjunto sea una cadencia maravillosa de ritmos y formas que encontramos en cintas, fajas, y tocoyales. Cardoza y Aragón apunta que a pesar de que las cenefas son en cobre y esmalte, la dureza del cobre y el esmalte se olvida y surge de ellas la suavidad de los tejidos.

Mérida, en estas obras, desechó el aspecto pintoresco para encontrar solamente la pintura.  Admiraba el arte popular de nuestros pueblos y afirmaba que no hay arte popular, sino tradición popular del arte. El arte popular no hace estilizaciones, porque simplemente es un estilo. Mérida sabía que las estilizaciones crean un arte híbrido, extraño al pueblo. 

La pintura de Mérida poco a poco se fue haciendo planimétrica.  En 1951, realiza un dibujo en lápiz de color sobre papel de Bali. Este dibujo es un lento y seguro arabesco, en apariencia rígido, pero con un trasfondo absolutamente musical, reduciendo las líneas a lo esencial en un análisis único de la divina proporción o sección áurea. De hecho, Mérida escribió un largo y puntual estudio sobre el tema de la sección áurea. En este estudio Mérida explica cómo es la combinación armoniosa de líneas y proporciones. Fueron los griegos y sobre todo Fidias, quienes asentaron el canon, llegando a afirmar que era la facultad que aproxima al hombre con los dioses. A este canon le dieron el nombre de euritmia. Euritmia es el Partenón; todo Fidias es euritmia o sinfonía, como también le llamaban.  Debemos tener claro este sentido del ritmo de la línea y proporción, así como de los intervalos que le dan la grandeza a la obra de Mérida. Prescinde, en esta etapa, del claroscuro y de la representación del volumen. Prefiere las tintas planas y la planimetría. 

Mérida, al igual que muchos pintores, como Monet, Dufy y Picasso que tenían un gran interés  por pintar en series, realizó varias series como sus Paisajes de Guatemala y dos series sobre el Popol Vuh, una de tendencia geométrica y lo otra con mucho de surrealista. Mérida quería ser músico, y estas series nos recuerdan las variaciones sobre un tema, en el sentido de que una composición musical desarrolla un tema melódico. Por el carácter tan definido y mental, la geometría en su obra llega a ser la emoción de la forma, indudablemente basándose muchas veces en un rigorismo musical. Creo que Mérida admiraba la música de Alban Berg (1885-1935), cuyo dodecafonismo es imposible que lo dejara indiferente.  Esta forma musical que se basa en la división de la escala en doce notas es una permanente búsqueda entre el sistema tonal, caduco para Berg, y el dodecafónico a través de la melodía. 

En la geometría de Cotton existe algo decisivo; intuimos que su arte no depende de lo formal sino de un íntimo deseo que de que el conjunto adquiera plenitud plástica. La obra de Cotton es recia: bloques horizontales se cruzan con los verticales; el movimiento surge del centro de esta especie de cruz, logrando una amplitud de espacios en movimiento. Libera la fuerza del color, difuminándolo; también lo hace en las asociaciones referenciales, logrando unas condiciones específicamente comunicativas. Trasmite fuerza su Meridiano I, un conjunto de cuadrados, rectángulos, líneas y volúmenes que nos da la sensación de bloques y curvas. En la mayoría de sus obras, Cotton coloca en el centro líneas curvas, que en muchos casos se vuelven círculos. De esta manera, el conjunto adquiere plenitud por las relaciones armoniosas que va creando el círculo. Estos ideogramas surgen cuando una vertical corta con una horizontal, o bien cuando el vértice de un ángulo roza al círculo, como el dedo de Dios y Adán.

Rudy Cotton, "Meridiano 5" 2016, acrílio/ tela, 45 x 38 cm. Foto y texto cortesía del artista.

Memoria y tiempo como realidad

Memoria y tiempo como realidad

Por: Oswaldo J. Hernández

La geometría, lo abstracto y el color, en la pintura de un autor como Rudy Cotton, han logrado trazar la cartografía de un proceso vigente a lo largo de tres décadas de trabajo. Su obra, desde cierta retrospectiva, cuenta una gran historia. Una narración de sucesos, unos tras otros, en los que incluye personas, además lugares. Cotton ha tomado gran parte de sus recuerdos y los ha utilizado para construir pequeños episodios. Cada pintura es un testimonio de su recorrido. Usa su memoria y con ello consigue articular un viaje, largo, lleno de metáforas, de idas y retornos. La realidad está ahí –en cada trazo– como algo cercano, rodeada de tiempo, retratada de tal manera que no sea fácil de olvidar.

Se trata del trabajo de un observador que tras treinta años de pintura no ha quedado indiferente a lo que le ha rodeado. De tal cuenta recorrer su trabajo es contar también una serie de anécdotas, a veces críticas, otras nostálgicas, que construyen un ir y volver, para luego detenerse en aquellos momentos precisos, importantes, que Cotton ha enmarcado entre las ciudades y las montañas. Entre Francia y Guatemala. Entre personajes y lugares. En el espacio de todos sus recuerdos.

Hay también leyendas en la pintura de Rudy Cotton. Desde sus inicios evocó voces y personajes míticos que culturalmente han situado posibilidades de símbolos identitarios, rasgos o sentido de pertenencia. Sus primeras acuarelas (El Sombrerón, Mujer Llorando, 1983) son acaso premonición del viaje en la memoria que envolvería todo su trabajo.

Rudy Cotton es su trazo, gusta de la inmensidad de un cielo despejado. Gusta de la calma y el silencio como profundidad. No hay tormentas ni tormentos en sus horizontes o en su estilo. Al contrario, sus panorámicas están cargadas de quietud e impavidez. Funcionan de argumento, de trasfondo, y de igual forma, como escenario en el que se desarrolla la existencia, la cotidianidad, el recuerdo en constante resistencia o en pugna con el destino. Sus cuadros representan escenas de una historia que está a punto de suceder, o que ha venido sucediendo, y capturados en un impasse temporal existen como parámetros agudos para destacar la fragilidad y el desconcierto de la movilidad. A punto de convertirse todo en un recuerdo.

Así los fragmentos, los colores segmentados y las figuras desasociadas con que Cotton genera un volumen y multiplica los juegos de la luz en sus pinturas, adquieren la cualidad de lo envolvente. Atrapan al espectador. La abstracción como metáfora de la geometría. La neutralidad como oxímoron del concepto de actividad.

Por eso las nubes, montañas y rostros. Por eso las siluetas sugeridas en situaciones de  diálogos permanentes. Los retratos, gestos y cuerpos. Las ciudades, ladrillos o paisajes. Sus últimas cuatro series (Estampas del trópico, Testigos presenciales, Almas de la Montaña, Imágenes Albigenses) retratan y sintetizan episodios en la vida de Cotton como viajero y artista, y quizá lo más importante, como espectador acucioso del entorno, testigo del transcurso del tiempo, de los humanos a su alrededor, de los amigos circunstanciales y de la cultura de dos naciones, entre Guatemala y Francia.

Hay en estos últimos trabajos una alegoría de la cotidianidad y muy poco silencio. Muchos personajes que en la sugestión de sus formas nos regresan una mirada de ojos muy abiertos, que mantienen gestos muy atentos sobre nosotros sin que lleguen, tras una reciproca contemplación, a lo insoportable. Sin embargo detallan un marco cultural significativo, un paisaje de sociedad: la manera en que en Guatemala procura invisible al otro, la indiferencia con aquellos que habitan en las áreas profundas de nuestro trópico, y la incomodidad que se genera en ellos en lo habitual de ser ignorados. Por eso hay un reclamo y por eso regresan la mirada. En esencia, si hay alguna crítica social en el trabajo de Cotton, es que ellos, como estampas o como testigos o como almas, también existen y son alguien. Tienen identidad. Son parte de la realidad. Cotton los procesa mediante un lienzo y los vuelve evidencia de una particular interpretación. No cosifica ni plantea nuestros entornos como algo folclórico. Mantiene un equilibrio. Son, en sí, ejercicios de la memoria, de tomar una distancia necesaria para que desde lejos, en el tiempo, como lo hizo tras diez años de permanencia en la ciudad de Albi, Francia (1985-1996), broten precisiones para describir una escena. Una manera suya de comprender y extrañar y pintar un origen, de plasmar un país como Guatemala.

No obstante, luego de una década, el ejercicio se revierte y Cotton lo diseña interesante. Siempre el juego consiste en el filtro de sus recuerdos. Alguna vez añoró Guatemala, sus imágenes, su gente, sus ciudades y conflictos. Ahora, tras su regreso, la dinámica consiste en intentar extrañar Francia, a Albi, su ciudad por más de diez años. Imágenes albigenses (2011-2012) es el sumario exacto de lo que podría significar, en síntesis, el trabajo de este artista. Consiste en plasmar un panorama entero, la existencia como hilo conductor, y recopilar con esto episodios puntuales que trasladados al color y la geometría reivindican el hecho de su acontecimiento. Un “haber estado allí”. Entonces desanda los pasos, busca un origen, conmemora, repasa, descubre soluciones y cosecha alguna reflexión. Rudy Cotton es la memoria como tiempo.

Lo ha hecho antes. Lo hizo muchas veces. Las cruces, los pájaros o los cráneos. Las leyendas, las lunas o las travesías. Los nahuales, los volcanes y los lagos. Los manantiales, las encrucijadas y las raíces. Las máscaras, los trajes y los rituales. El espíritu y el alma. Los paisajes. Hay en ello -en su pintura- una intención de erradicar lo aparentemente inanimado, cuestionar el olvido, y resolver la problemática de lo efímero con la estética. Se trata de intentar lo permanente.

Y desde luego sus influencias están presentes en cada trazo. Desde el taller de Toulouse Lautrec en la vecindad de su domicilio en Albi, Francia. El consejo de sus maestros en sus inicios, en voz de Anleu Díaz, Dagoberto Vásquez o Max Saravia Gual. La amistad y los intereses compartidos con artistas entrañables como Moisés Barrios, Luis Díaz, Elmar Rojas, César Izquierdo, Ramón Ávila, Roberto Cabrera, Rodolfo Abularach o Efraín Recinos. Así como también persisten las referencias literarias, importantes, al nivel de la narrativa en su pintura como analogía a la escritura de Miguel Ángel Asturias. Cotton, de hecho, ilustró varias portadas de Asturias, sus ilustraciones correspondían en temática y en imaginación: Periodismo y creación literaria, París 1924-33, Hombres de maíz y El árbol de la cruz. Manuel José Arce es otro escritor fundamental que aparece en la obra de Rudy Cotton, por su influencia humanista, por su visión de Guatemala; lo conoció en Francia, lo pintó en 1985, en su serie Variaciones sobre M.J.A. Al igual que todo, este artista regresa a cada uno de ellos cada vez que puede, a una frase, a una anécdota. Es siempre su modo, como en la pintura, de tomar la realidad y transformarla. Añadirle tiempo y buenos recuerdos. Y transformar la realidad en geometría y color significa que se ha logrado cierto nivel de entendimiento. Es la historia que narra Rudy Cotton en su pintura. 

Rudy Cotton, "Persistencias geométricas", 122 x 244 cm, 2014, acrílico/ madera -díptico- Foto y texto cortesía del artista

Los pueblos imaginarios de Rudy Cotton

LOS PUEBLOS
IMAGINARIOS 
DE RUDY COTTON

Por: Séverine Grosjean

  

Rudy Cotton no es un desconocido para el mundo del arte guatemalteco. Este artista, nacido en 1959, desde niño estuvo fascinado por el arte. Su abuelo materno, escultor de imaginería, fue el primero en iniciarlo.  En el pueblo donde pasó su infancia, el cine tuvo un lugar muy importante sobre su formación era la única oportunidad para "salir adelante" le abrió las puertas del mundo creativo. De hecho, apenas con unos diez años de edad, diseñó algunos carteles anunciando las películas del fin de semana, en su pueblo natal: un pequeño Cinema Paraíso.

A los 18 años, continuó sus estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en aquella época la escena artística guatemalteca era muy poca, después ingresa a la Universidad de San Carlos en la facultad de arquitectura.  Durante sus estudios, estuvo en contacto con varios artistas de la época, quienes le guiaron en "el camino artístico", también sobre el conocimiento de la literatura latinoamericana. En 1982, el gobierno francés le invitó a trabajar litografía en el taller de M. Casse. Su estadía en Paris le permitió, visitar los museos más importantes de Europa y  estar en contacto con los Grandes Maestros y sus grandes obras. "Yo viví  el universo de las obras maestras y su genialidad, por lo tanto el camino era muy largo, todavía hoy día me queda largo muy largo." Este viaje amplio sus horizontes artísticos.

Pasó quince años de su vida en Francia, incluyendo diez años en Albi, la ciudad de Toulouse-Lautrec. Recientemente realizo una serie de obras en  homenaje a esta ciudad con la serie (Imágenes Albigenses). Sus pinturas están impregnadas de esta región mediterránea francesa con los colores característicos: amarillo y azul, sin olvidar sus raíces guatemaltecas transformando los elementos de su obra con efectos a través del claroscuro. En esta serie, se entrelazan la sensualidad de esos cuerpos flotantes en formas geométricas sobre un fondo plano y mágico.

Rudy Cotton siente un gran respeto por la tradición artística. Para él, es necesario conocer este proceso histórico del arte "si no se cae en la falsedad."  "Si niegas la historia, no sabes de donde vienes ni sabes a donde vas”. "Ser artista para Rudy Cotton es “un regalo de la naturaleza.”

Poco a poco su pintura evoluciona. Las formas cambian. Se crea un universo imaginario implícito. En Francia, él trato de representar la idea de "ser guatemalteco". La pintura de Rudy Cotton está ligada a la arquitectura vernácula. Las casas se funden en el paisaje. Para él, "Es una actitud humanista, no hay que olvidar a la gente que vive en las montañas, tienen alma y cuerpo. Los habitantes de las montañas se adaptan a su entorno, es una concepción tradicional y visionaria de toda sociedad, además, mi posición puede parecer anticuada pero esta insertada en nuestras preocupaciones existenciales”.

Sus pinturas crean un suspiro de esperanza dentro del caos guatemalteco. El uso del color en Rudy Cotton es personal. Los colores primarios, y el acompañamiento de sus  líneas son sorprendentes. Él los utiliza para estructurar el lienzo para luego convertirla en una imagen dominada de cierta realidad, son pinturas están llenas de ligereza y espacio. Para Rudy Cotton, "el artista es un mago que crea espectáculos con imágenes." Sus obras son mosaicos donde el universo está distorsionado e implícito en el vacío.

Sus obras hacen pensar a las fachadas de colores,  formas asimétricas y atrevidas del

Arquitecto y pintor austriaco Friendenreich Hundertwasser.

Rudy Cotton como todo artista pensante, tomó riesgos que no fueron bien comprendidos como suele suceder con la inercia espiritual y visual del artista y la sociedad. Este fue el caso de la serie "Martirologio". Al regresar a Guatemala después de sus años franceses, se encontró con la precariedad y del contraste social de su país después de treinta y seis años de guerra civil que vivió Guatemala. "Trate de rendir un homenaje a todas aquellas personas que fueron sacrificadas inocentemente." Esta serie compuesta de 60  piezas marca la desaparición de los colores vivos, por una paleta más sobria y lúgubre, como una señal de luto. (Imágenes Martirologio)

Cotton vivió intensamente el aspecto creativo de esta serie, por la misma razón del comportamiento humano. Para él, "el artista no debe involucrarse en política, porque la libertad creativa pesa mas, pero tampoco se puede olvidar o pasar, desapercibido de algo que se ha convertido en algo común, como lo es la violencia". Siente una satisfacción personal. "El artista no debe tener límites. El espíritu de un artista es la libertad, que esta por encima de todo, lo creativo en el arte no tiene precio ni limites"

Después de todos estos años, Rudy Cotton tiene un solo deseo en la vida, el derecho de seguir existiendo como artista y poder seguir pintando si no "no existo.

Rudy Cotton, "Aldeas oníricas" 2013, 121 x 151 cm. acrílico. Foto y texto cortesía del artista.