La memoria es una plusvalía extraña

"Alegría compartida" Roberto González Goyri, 1993

LA MEMORIA ES UNA PLUSVALÍA EXTRAÑA
Javier Payeras

El criterio es acaso el más difícil de los trabajos técnicos relacionados con el arte. Quizá porque estamos acostumbrados a que se mencione que la belleza es algo subjetivo, pero también porque dentro de nuestros incipientes conocimientos anotamos que el arte es necesariamente “bello”.

Ejercer el criterio tiene algo de tormento. Equivocarse es un riesgo constante. La normalidad es que muy pocos críticos logren alcanzar alguna trascendencia. Quien dispara su opinión en contra o a favor de una obra de arte escribe un testamento. Su juicio es sujeto de juicio. Abre la posibilidad hacia lo perdurable o construye una brecha que nadie se atreverá a cruzar. Señalar, anotar y concluir son cargas demasiado pesadas para un ser humano, sobre todo en algo tan cambiante e inconcluso como la creación artística.

La obra maestra no es otra cosa que un cúmulo de juicios alrededor de algo elaborado. Juicios trascendentes o juicios apresurados. Tal cosa –el juicio- es lo que se conserva tanto en la memoria impresa como en las adscripciones colectivas. La memoria que tiene su propia plusvalía, la memoria que es una plusvalía extraña.

La memoria es inversión en todo lo que tasamos como arte. Porque más allá del lucro, el mercantilismo y el adormecimiento consumista de las subastas o las facturas de efecto detrás de un tema, de un autor o de una obra de arte en específico, es la memoria la que realmente conserva el valor y la disposición para que el trabajo creativo de un autor mantenga fresco su paso entre una y otra generación. Cualquier novedad (de sobreestima apresurada) termina siendo como la botella de champaña que, una vez destapada, va perdiendo su sabor original; sabor que a la posteridad pasará únicamente como un resabio, una suerte de enlace entre dos acontecimientos relevantes. En el criterio siempre existe el riesgo de quedarse atrapado en el entusiasmo como certeza, dejando orillada esa impopular –pero necesaria- observación franca del desapego.

La inversión en la memoria está de baja por estos tiempos. Cubrir su costo requiere de un esfuerzo que, en momentos tan proclives a lo desechable, solo parece despertar el interés de mecenazgos que dan valor a la trascendencia de la cultura en la historia. Siendo (en países con precarias instituciones gubernamentales relacionadas con el tema) la única fuente de ingresos para la organización de museos, bibliotecas o de colecciones de arte.

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Acumular no es categorizar. Porque la acumulación sin juicio, no es otra cosa que llenar espacios. Esa suerte de epidemia de horror vacui que lleva a colmar hasta el ridículo cada espacio habitable.

Tanto el gusto como el mal gusto son temperaturas. El sustantivo, tanto en su afirmación como en su negación, presenta un problema. Puede que aquella cosa sin valor actual, represente un importante testimonio de su época. Puede que aquello cotizado hasta las nubes gracias a una eficiente labor publicitaria, termine almacenado entre las toneladas de chatarra que las generaciones presentes dejaremos como carga al futuro.

De la misma forma, acumular obras de arte no es coleccionar. Una colección se hace a partir de discriminar entre lo que realmente tiene sustento. Al adquirir una obra de arte, el coleccionista no busca a partir de su propio juicio y darle con éste un valor al trabajo seleccionado. Busca criterios diversos y contrastantes -aunque siempre informados- que puedan asesorarle tanto en el valor artístico, como en el valor histórico, antropológico o científico de lo adquirido. Una pieza es la representación y el concepto que se vuelven cultura a través de una reflexión congelada para el futuro.

La coherencia de una colección se refleja en lo que nos muestra. La claridad en cuanto a su selección puede darnos luces acerca del criterio con que fueron adquiridas. Los ejemplos más admirados son los más audaces. Un caso emblemático es el de Peggy Guggenheim, que apostó desde muy joven por la adquisición de artistas modernos; adquirir obras fundamentales del siglo XX fue su legado, comprando el trabajo de forma directa con los mismos artistas, muchos de ellos marginados de los círculos autocomplacientes de la subasta y de la galería. Su inversión fue visionaria por su oído siempre receptivo a escuchar a varios interlocutores, siendo acaso el más genial de ellos, Marcel Duchamp. Hoy día, su apellido significa museos, significa becas, significa publicaciones… su presencia en el arte contemporáneo es innegable a casi cuatro décadas de su muerte.

Así es como una colección no se arma con los cuadros que decoran una sala, sino con el riguroso estudio de los objetos que dan voz a la memoria. Especializada o no, una colección es asunto de heredar un valor, un espacio de convivencia.

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Alrededor del arte, suceden mil cosas. Unos artistas pueden trabajar día y noche recluidos en sus estudios leyendo o perfeccionando sus técnicas; otros pueden ser activistas capaces –literalmente- de sacudir montañas para dejar bien clara su postura política; otros pueden hallar en los estrechos más asfixiantes de nuestra cotidianidad su objeto de valor; otros pueden experimentar en su obra aquellas voces que vienen del pasado; otros pueden darnos silencios, gritos, máscaras… Pero alrededor del arte siempre sucede algo.

El riesgo de escribir acerca de La Importancia del Arte, es que tal tema nunca llega a un puerto seguro. Acaso porque hay pocos ojos dispuestos a leer, pocos ojos dispuestos a ver y pocos oídos dispuestos a escuchar. Así que tal asunto termina siempre entre convencidos. Pero corriendo el riesgo de atizar una vieja discusión, pienso que el arte es importante porque significa “símbolos”. Símbolos que luego nos reúnen, nos enlazan. Son esos espacios de convergencia donde el tiempo se explica desde la vida misma. Lo hallado en una fotografía, en una escultura, en un dibujo o en una pieza de diseño no es más que el vínculo entre la experiencia y el pensamiento.

Actualmente las colecciones de arte son espacios de formación y apoyo para investigadores, creadores y especialistas en diversos temas. Organizan exposiciones con regularidad, abren sus puertas para que el público pueda conocer el acervo que poseen y mantienen agendas pedagógicas para reforzar el arte en los centros educativos.

La educación es el punto de partida. Explicamos el arte, para explicar que existimos. Los nuevos públicos que se forman desde niños en la apreciación de una obra, reciben ese complemento sensible que pone una distancia entre la palabrería enajenada por la repetición de datos y la dialéctica del pensamiento crítico-propositivo. Cuando existe la meta de resguardar la memoria, quien asume tal compromiso también permanece. De eso que invertir en cultura, es orientar la cultura; organizar la cultura es permanecer en la cultura. Y cultura es todo lo que nos trasciende.

Texto para revista Galería de Fundación G&T Continental No. 46, enero 2014.

Registros por Regina Prado

 La crisis ecológica es,  sin lugar a dudas, un tema que ha emergido en los últimos  años y relacionado al arte para ser más específicos, en los discursos de la eco-estética, dado que existe una emergencia ecológica mundial.    La ciudad de Guatemala vive un cambio climático acelerado debido a corrientes de aire provenientes de ciertas áreas que suelen llevar partículas contaminantes hacia el sur. El viento va en declive. La crisis de contaminación que ha generado la sociedad tecnológica industrial contemporánea le ha dado la bienvenida a otro factor que disminuye la calidad de vida: “la contaminación visual”.  El entorno es alterado de una manera dramática por la cantidad de anuncios, carteles, panorámicos, cables, antenas de telefonía celular y luminosidad, afectando así las condiciones y calidad de vida de los habitantes de una ciudad. 

Las obras de Regina Prado nos hacen cuestionarnos y nos colocan en evidencia este desequilibrio que se vive en la ciudad, desde un punto de vista estético, se enlaza con una fuerte preocupación política de la ecología; en un nivel subjetivo nos cuestiona sobre la condición y responsabilidad respecto a la libertad individual, en un medio ambiente social que nos debemos unos a otros. La artista nos recuerda como los modos de vida tanto individuales como colectivos, se han convertido en “razor ribbon”, esas mallas metálicas llenas de púas que lejos de ofrecernos seguridad, nos aíslan del diálogo, de la convivencia, de la humanidad. 

Regina Prado realiza un registro en fotografía y video sobre  la contaminación del paisaje, el caos urbano-humano, así como la huella que ha dejado un plástico desgastado, elemento que nos hace un llamado de atención a reflexionar sobre el crecimiento desmedido de la ciudad, la producción y el consumo, ¿Es éste nuestro único motor de bienestar? 

La artista delinea una serie de cercas de malla y tótems contemporáneos, crea monstruos sobrenaturales que se desdibujan en la ciudad acechándonos; y es que así es la contaminación, un monstruo que nos vigila o persigue con cautela para no ser notado.

Las obras que se exhiben en estos “registros” de la artista Regina Prado, hacen un vínculo entre arte contemporáneo y ecología política, dado que no se puede desvincular lo estético en los procesos sociales y lo subjetivo.

Sandra Monterroso. 18.01.2014.

 

Reseña del libro Magda Eunice Sánchez

Galería de artistas

MAGDA EUNICE SÁNCHEZ, EL LIBRO

Por Juan B. Juárez

     Recientemente la Fundación G y T Continental presentó el libro Magda Eunice Sánchez, una lujosa publicación que recoge una amplia selección de dibujos, pinturas y esculturas e interesantes ensayos críticos realizados por Dante Liano, Roberto Cabrera, Silvia Herrera, Juan B. Juárez y Guillermo Monsanto sobre la personalidad, la obra y la trayectoria de la destacada artista nacional fallecida en 2008.

     Las obras reproducidas en el libro, aunque ilustran perfectamente el particular estilo de la artista y la diversidad de intereses técnicos y temáticos que se manifiesta en su producción, no sigue, sin embargo, un orden cronológico.  De hecho, deja de lado lo que la artista produjo en los años 70 y 80, que son los de su formación y de los primeros pasos de una trayectoria que se inició en medio de la reserva o la indiferencia de los artistas que destacaban en esa época violenta y del escaso público que podía comprender el aspecto poético e intimista de sus dibujos.  Quizás esta laguna se explica porque es muy poca la obra de esos períodos que sobrevivió, explicación que a su vez delata la indiferencia del medio y la falta de fe de un público que en esos momentos no tuvo la capacidad de apreciar su valor y significado artístico ni, por consiguiente, la voluntad de conservar las obras.

     Los ensayos críticos son otras tantas aproximaciones a la obra y la personalidad de Magda Eunice Sánchez, hechas desde perspectivas dadas no sólo por la diversidad de las expresiones y la densidad vital de la artista sino también por la situación y los intereses personales y profesionales de los respectivos autores. 

     Así, el ensayo de Dante Liano, titulado Magda Eunice, artista sin defecto, es algo más que una apología: es una especie de retrato espiritual de la creadora plástica y una interpretación filosófica y literaria de la “poética” que da sentido a su obra.  La retrata, en efecto, cuando dice:

“Magda era una sensibilidad en carne viva.  Detestaba con toda su alma lo ramplón, lo vulgar y lo mediocre”. O bien, “En una época cuando ser rebelde estaba de moda, ella se rebeló contra esa moda.  Era rebelde a la enésima potencia”. (Pág. 9)  E interpreta el sentido de la obra cuando destaca el objetivo estético que perseguía la artista:

“Hay un deliberado juego de conceptos en haber escogido solo desnudos femeninos, en la obra de Magda Eunice, para elaborar una metáfora sencilla, directa, sin necesidad de tantas elaboraciones teóricas.  La desnudez como metáfora de la poesía que revela conocimiento, o parte de él”. (Pág. 10).

     Guillermo Monsanto revisa la trayectoria desde la perspectiva de su “éxito” profesional en el mercado de arte, en el cual “(…) terminaría siendo una de las artistas favoritas de los coleccionistas de todos los tiempos”. (Pág. 14). 

     Roberto Cabrera, por su parte, relaciona el dibujo de Magda con la tendencia conceptualista que caracteriza al arte del siglo XX y hace una erudita filiación de su estilo con la tradición artística de occidente y con las tendencias contemporáneas.  Dice:

“Así, su dibujo-pintura o pintura-dibujo es una unidad formal y expresiva como la mayor parte del arte del siglo XX y como el figurativismo que aún hoy día de practica dentro de lo que en nuestros países se denominó Nueva Figuración.  Figuración dibujada y pintada a la que en Guatemala los miembros fundadores del grupo Vértebra dieron un particular enfoque que encontró eco en otros artistas de la generación del sesenta con trayectoria en el dibujo, el grabado y la pintura como Rodolfo Abularach, Enrique Anleu Díaz, Ramón Ávila y la generación de artistas jóvenes de finales de esa década y principios de la siguiente: Moisés Barrios, Arnoldo Ramírez Amaya, Rolando Ixquiac, entre otros”. (Pág. 19)

     Juan B. Juárez analiza la obra de Magda como producto fatal una personalidad artística excepcional que se formó en un contexto artístico, cultural, social y político marcado por el inicio de la guerra interna, la grandilocuencia ideológica y el machismo que negaba a la mujer capacidad para la creación artística significativa.

“Como se ve, se trataba de un ambiente artístico adverso para la sensibilidad más bien lítica e introspectiva de Magda Eunice”. (Pág. 82)  “Timidez que lucha contra la intimidación, su obra es el registro de sus pequeños triunfos frente a lo que la inhibe y la niega.  Son pequeños triunfos contra un enemigo insuperable que retrocede apenas unos pasos pero que no atenúa la presión del cerco.  De allí que esos pequeños logros no tengan nunca un aire triunfal sino conserven la levedad y la delicadeza de un atrevimiento pudoroso o, a lo sumo, la audacia y la simpatía de un guiño de secreta complicidad”. (Pág. 85)

     Silvia Herrera realiza un análisis formal y semántico de la escultura de Magda, disciplina que cultivó en la última etapa de su vida.  Sin descuidar la persona concreta que era la artista, su interpretación parte de los materiales pero se detiene en las formas que crea y en su significado como lenguaje humano y como poesía personal:

“Los músicos son personajes anchos y voluminosos, pero aligerados por su expresión.  Las texturas, intencionalmente rugosas, imprimen un carácter terroso y pesado a estos personajes que se alivianan al mismo tiempo por ese hálito musical y espiritual que los anima.  Por interpretar un instrumento, se elevan más allá de su forma rotunda y masiva, además, sus cabezas inclinadas hacia la izquierda indican sensibilidad y cuidado.  Con esta inclinación, Magda consiguió el drama, la animación y el carácter de sus figuras.  Su equilibrio visual fue formal y expresivo a la vez”. (Pág. 133).

     Se trata, en fin, de un libro que se ve y se lee con gusto.  La reproducción de las obras, sobre todo de los dibujos, permite, en efecto, el aprecio de sutilezas técnicas y expresivas; y los textos facilitan la comprensión de carácter y la razón de ser de una obra que dice mucho no sólo de la artista que la creó sino también de la época, o mejor dicho, de las épocas y de las atmósferas culturales que marcan las circunstancias de su creación y de la comprensión y valoración de su significado artístico.  

Arte en Aeropuerto La Aurora

Comunicado de Prensa

Guatemala, 6 de diciembre de 2013

Colocación de Obras de Arte en Aeropuerto La Aurora

Segunda fase de proyecto Guatemala Artística de

Fundación G&T Continental

En seguimiento a la firma del Convenio de Cooperación entre la Dirección General de Aeronáutica Civil y Fundación G&T Continental, se llevó a cabo recientemente la colocación de obras de arte de los artistas Norman Morales y Erick Menchú, como parte de la segunda fase del proyecto Guatemala Artística.

Este proyecto tiene como objetivos el brindarle a los espacios públicos de la terminal aérea, detalles que den muestra de la calidad de las mentes creadoras de la plástica de nuestro país, además de continuar el apoyo al arte nacional, a través del impulso y promoción de nuestros valores, en tan importante edificio, que es donde los que visitan el país llevan su primera y última impresión.

Los artistas seleccionados para esta fase del proyecto, son jóvenes creadores, que en pocos años han acumulado ya grandes logros en iniciativas artísticas, como el Grupo La Torana y el Taller Experimental de Gráfica, TEG, además de haber expuesto en las principales galerías y museos, así como en el extranjero, por lo que Fundación G&T Continental se congratula de apoyar a los jóvenes valores.

Fundación G&T Continental, 20 años promoviendo el arte y la cultura, agradece el apoyo de los miembros de la prensa, que con su cobertura y difusión, coadyuvan a dar a conocer esta importante publicación, con las notas y artículos que se puedan publicar.

Con las muestras de nuestro agradecimiento, les deseamos desde ya felices fiestas.

Abrapalabra No. 46 -primicia-

34 aniversario del arte posmoderno guatemalteco

                             MarciaVázquez

     La posmodernidad desde la perspectiva del arte ha recorrido ya cincuenta años –en los años 70 se empieza a hablar de arquitectura posmoderna– bien cimentada en la idea de la desaparición del objeto y la presencia del concepto o de la idea detrás del primero. Los postulados de la posmodernidad entre otros, son  la validez  de la apropiación de las obras, además de obviar la reinterpretación de la realidad, que nos fija en un lugar y en  un momento preciso de la existencia —lo que  estaba presente en las imágenes precedentes sean  estas clásicas o vanguardistas, la posmodernidad hizo que  perdiera  su sentido—  pero a cambio, esta postmodernidad no aporta ni ética ni estéticamente nada nuevo. En Guatemala recién empieza a hacerse sentir en los años noventa y sin duda sigue vigente, por lo que una reflexión al respecto parece oportuna.

     La tradición nos dice que los eventos importantes para el ser humano se celebran o conmemoran en los lustros, las décadas o los siglos, pero he dado a este texto un título  que no marca ningún hito en la historia del arte nacional, esto es porque tampoco lo marcan las exposiciones  que se suceden una tras otra con lo mismo de lo mismo, con los soportes y los medios, a estas alturas del desarrollo de las artes y la tecnología, anacrónicos: muñecos icónicos del heroísmo pop, juguetes bélicos, siluetas para ejercicio de tiro, alienación y un sinfín de reclamos resabidos que han perdido su efectividad y están vacios de contenido.  Irrelevantes en tanto que reiterados.

     En el arte contemporáneo guatemalteco, con pocas excepciones, no se ve un cambio, un avance que vaya en proporción a la enorme cantidad de artistas nuevos que llenan múltiples espacios de exposición, nunca antes visto.  Lo que hay es estancamiento en su crítica al consumismo, el poder, el machismo o la sexualidad, la violencia y sus derivados. Durante más de treinta años, treinta y cuatro para ser exactos, partiendo del gorro de piñata camuflado hasta nuestros días, se han repetido y se siguen repitiendo incansablemente.

     Motivos todos abordados desde una postura pseudofilosófica y pseudoconceptual. Es entonces, la incapacidad del arte para transformar la vida cotidiana. Se vislumbra una falsa promesa, o goce de la obra. En otras palabras, son intrascendentes. Son artistas visuales que ya sin ninguna originalidad, y en muchos casos copiando a otros o a sí mismos siguen el trillado camino recorrido por otros artistas desde el Río Grande hasta el Canal de Beagle. Artistas que insisten en presentarse a exposiciones con más audacia que talento.

     La percepción es que los artistas se quedaron congelados en medio de esos discursos que apoyados en soportes poco convencionales, evidentemente descontextualizados y en ocasiones deconstruidos pretenden implicar una interacción comunicativa entre el artista y el destinatario mediado por la obra, pero que no convencen ni aportan nada nuevo, aunque se presenten, como antes se dijo, con aires de conceptualismo y profundad filosófica, donde no hay más que cierto grado de habilidad y técnica. 

     Todo muy válido en el momento final de la posmodernidad, mas carente de asombro desde el pragmatismo de la recepción, o lo que el observador extrae de lo que el objeto no dice, tal como apunta Barthes: “lo que produce el placer o el goce de la obra de arte”. 

     Esta es una de las líneas paralelas por las que transita el arte en Guatemala. La otra, sin extenderme demasiado en el tema, es la de  un arte moderno  anodino, que reincide en los motivos de la figura humana deformada, con lo cual evidencia su falta de dominio del dibujo, o se acomoda al discurso colorista, a lo cursi para usar un término castellano, y a lo que se vende.  Retoma como asunto de las obras lo vernáculo, cuando no lo religioso o un socorrido paisaje colorido mas desdibujado: iconos agotados todos como pretexto de un juego que quiere ser arte. A este espectáculo que llana en la mediocridad, se suma la falta de correspondencia entre los títulos de las exposiciones y las obras expuestas.  

      ¿Por qué no enfrentar la realidad y todo lo que queda por resolver en un país tercermundista inmerso en la pobreza, la miseria y las desigualdades como  un desafío para abordarlo desde el universo de la imaginación? O para mayor facilidad, regresar a la mímesis sin mayores pretensiones.

     La respuesta está en manos de los artistas contemporáneos.