Entre Abstracciones y Vértebras

La DS fue la primera galería de arte en Guatemala.  Fundada en 1964 presentó un tipo de arte que nunca antes se había mostrado en el país, fue el punto de partida de las vanguardias y adelantó la manera contemporánea de mostrar muchas obras.  Propuso montajes ambientales e instalaciones.  Además promovió esas actividades a través de un diseño gráfico único e impecable, hecho por Daniel Schafer en serigrafía.  Muchos de esos diseños conservan plena  vigencia al igual que los logotipos de empresas e instituciones que Schafer diseñara.  La galería DS inicia y propicia el coleccionismo de arte en Guatemala.

Ana María Rodas, en una entrevista  para Radio Infinita 100 hecha el 23 de mayo de 2014, comenta:   La DS era un centro donde bullía de todo, llegaban los artistas, los escritores, los personajes curiosos.   La DS fue una especie de panal donde pasaba de todo. No sólo se exhibía arte, pero el arte allí exhibido era cuidadosamente seleccionado.  Era una manera de enseñar a la gente quién verdaderamente tenía valor.  Allí llegaba Quiroa, Cabrera, Elmar … ¡quién no llegaba a la DS!  Además, en la Colonia Reforma vivían Cabrera, Schafer y Edith Recourat.  Todos amigos, todos intelectuales llevando el pulso del arte en esos momentos.

En la DS se exhibía el mejor arte plástico que se estaba haciendo en ese momento.  Pero cuando uno llegaba y conocía a Danny, uno quedaba embrujado por su personalidad.  Era un espacio donde se hablaba de la plástica que se hacía en Guatemala y en todo el mundo.  Cómo esos cambios repercutían en una Guatemala de 600,000 habitantes.

La DS fue el medio que enseñó a los guatemaltecos a tener colecciones de arte.  

En Guatemala sucedían cosas y en la DS hubo una escisión:  se desprendieron tres, Quiroa, Cabrera y Rojas que defendían el arte figurativo, frente al arte abstracto que hacía Margot Fanjul.

CONTEXTO

Guatemala iba lentamente desprendiéndose del arte académico con Valenti, Mérida, Vásquez, González Goyri, entre otros.  El calor de las segundas vanguardias empieza a irradiar las mentes y los pulsos creadores de un grupo de artistas que, como es sabido por todos, emprende la búsqueda de lenguajes propios al tenor de lo oriundo.  La década de 1960 es de intensidad en la historia de la humanidad y de referencia obligada en las artes visuales de Guatemala.   La fuerza de las propuestas, de los argumentos que los amparaban y la convicción de aquellos pioneros ha servido de plataforma las manifestaciones actuales.

El Imparcial, acogió en sus páginas del 6 de marzo de 1969 un texto del Grupo Vértebra (Roberto Cabrera - Marco Augusto Quiroa – Elmar Rojas) que, con fecha 21 del mismo mes y año, fue diseccionado por Margot Fanjul.  En estos escritos se observa el talante intelectual de esta polifacética artista y el no menos elegante y lúcido discurso de sus oponentes.

Los primeros manifestaron su posición, aludieron a su época y ambiente, a lo que hacían, lo que eran y a dónde iban.  Todo un manifiesto –el definitivo estaba en ciernes- que recuperó las preguntas básicas de Platón: quiénes somos, de dónde venimos y a dónde vamos.  La segunda, mediante citas de intelectuales y subrayados propios, disiente y expresa lo propio, sin dejar de aludir a la cosmovisión maya y a la geometría intrínseca a su vocabulario visual. 

Hoy, que prevalecen los argumentos, los discursos y los intercambios de opiniones acerca del arte al extremo que llegan a ahogar las obras mismas, sirva la relectura de estos escritos para reflexionar y contextualizar lo que en la palestra del arte de hoy se está gestando.  Subyace la intención de rendir homenaje a la Galería DS a los 50 años de su creación, pues su espacio acogió muestras de los artistas mencionados, fue el punto de ignición, el de encuentro y el detonante del inicio del arte de vanguardia en el país.  Es oportuno conocer los puntos de vista de sus creadores, la claridad de sus exposiciones, el rigor y el orden de sus reflexiones y el respeto que, a pesar de las divergencias, se tuvieron unos con otros.  

La Galería DS se fundó el 24 de julio de 1964. El grupo Vértebra en 1969, dejó caer la primera vértebra de la columna triangular que lo sostenía… . 

Se invita al amable lector a que tome contacto con lo dicho por cada quien.  Es importante hacer notar que Margot Fanjul falleció en 1998 y que el  22 de julio de 2014, deja de estar entre  nosotros Roberto Cabrera.  Lo que ellos  estarán discutiendo en el más allá sería digno de oírse.

Grupo Vértebra (Cabrera – Quiroa – Rojas)  

Posición – Época – Ambiente – Lo que hacemos – Lo que somos – A dónde vamos

Sumergido entre la incertidumbre y el miedo, la técnica y el proceso, la ciencia y la ficción, el mito y la leyenda, la abstracción y la naturaleza.  Internado en el siglo de los infiernos bélicos y la infección atómica.  Acompañado todo el tiempo de otros tiempos.  Entusiasmado en porvenires anunciados.  En un presente desmembrado.  Entre la razón y la barbarie.  El arte y su lenguaje.

Nuestra posición

Dos posibilidades en la expresión plástica contemporánea. Dos direcciones distintas que se dan a la energía creadora del artista.  La que idealiza una aspiración de claridad, formalidad y precisión externa, y la otra, interior expresiva, vital, cósmica.  Una despersonalizada y fría en su objetividad abstracta y la otra, ensimismada en la arraigada expresión de lo humano.  La que tiende a la perfección inmaculada de la mentalidad clásica y la que fija espuelas en la carne atormentada.  Leonardo y Goya.  Mondrian y Munch.  El Partenón y Chartres.

Entre los dos polos –clasicismo/expresionismo- nos aproximamos al segundo.  Más cerca del demonio medieval que del encanto griego.  En la ansiedad metafísica del siglo y su condición existencial nos interesa el hombre en el ambiente.  No la mecánica vacuedad biológica del abstraccionismo y la matemática reguladora del instinto.  Junto al trascendentalismo del mundo gótico de expresión agitado y terrible, buscamos al hombre en el laberinto del tormento contemporáneo.  Al diseño temporal de una computadora, anteponemos la forma cortical del cuerpo.  A la funcionalidad científica, restamos el mito y la expansión subconsciente de la época.

En la época

Nuestro lenguaje quiere hermanarse con el universo de la célula y la formación matérica.  No como formación de análisis científico, más bien, alquimia de evolución artística.  Porque vivimos a pesar de todo en un tiempo indefinido y tenso donde el alucinado es el profeta de otros mundos.  En un espacio intermedio que va del sueño a la vigilia. Como en el siglo XV –el de las catedrales- la telaraña del misterio y la fantasía rigen la obscuridad de nuestro afán y sed universal.  Paralelismo existencial en el límite insondable de la búsqueda.  Renacimiento presentido en un futuro equilibrado.

El cilicio del progreso nos subyuga.  Las visiones y las tentaciones en la ansiedad de una teratológica multiforme.  Ver el mundo en la reencarnación del vaho más mágico del presentimiento.  Queremos insistir –colocados aquí, en este ambiente- en lo que está debajo de la máscara.  En el gesto o la mueca que se cubre con el antifaz de la Física y la Química.  Del desarrollo puro para unos y donde el plástico es la nueva piel del hombre.  Donde se trasplantan corazones y se refrigeran cadáveres para despertar mañana.  De máquinas voladoras que dan vueltas a la Luna y urgan Venus.  De los poderes infernales en el suplicio de la guerra.  De Dachaus e Hiroshimas.  De blancos y negros.  De altos y bajos.

En nuestro ambiente

Aquí en nuestro medio primigenio, crudo, andante, evolutivo, queremos confortar una propuesta.  El arte que hacemos está por encima del juego conformista de los cantos de sirena del mundial artepurismo  La expansión abstracta es tan falsificada para nosotros como el tradicionalismo craso.

Nos colocamos en el riel de nuestra conformación genética, fieles a una expresión comunicante con el medio.  Nuestro lenguaje figurativo deviene de la realidad que nos circunda.  No nos preocupamos –con conocimiento de causa- de los últimos estertores del arte abstracto en Nueva York, Japón, Inglaterra, Argentina o París.  Reconocemos y valoramos la calidad intrínseca de sus raíces.  Pero nos interesa la otra cara del fiel.  La que viene rodando con gran ruido desde las improntas de manos en el magdalinense.  No donde el espíritu abstracto ha dominado, sino la faz íntegra del hombre.  No la decoración geométrica, sino la imagen.

En un tiempo corrimos tras el aro, hoy estamos dentro.  También hicimos arte ornamental en un principio.  También jugamos en los patios y jardines de Cézanne con sus conos, esferas y cuadrados.  También rondamos el rosetón de estas consecuencias juveniles.  Pinturas de vuelo cubistoide o afán estilizado.  Divagaciones que hoy se llaman ops, cinéticas, espacialistas, minimales, semióticas, etcétera.  Pero la abstracción refleja dejó de manifestarse, cuando descubrimos la potestad de nuestra posición geográfica y calidad antropológica.  Estar hundido y saturado en la vivencia natural de este recinto, con sus herencias duales y presente propio.

Entonces metimos las manos en nosotros mismos para sacar el corazón de nuestra substancia étnica.  Primero encontramos al caudal precioso de la prehispania.  Después, la llegada, la conquista, el cruce ibérico.  Y por último la afluencia biformal del resultado.  Lo que somos y donde estamos es ahora más importante para nosotros que la novedad estilística en lo que hacemos.  Toma de conciencia que nos aproxima a Bonampak y Chichén Itzá primeramente y luego al reluciente retablo colonial y la fantasía popular, folclórica y artesanal del mestizaje.  Y hoy después de todo en la certidumbre de nuestro destino y ebullición constante, en la plenitud de una verdad reconocida.

Lo que hacemos

Tenemos y nos hacemos un compromiso con la expresión en nuestro arte.  De donde somos estamos, vamos.  Lo que puede cautivarnos, no nos impide ver el punto vulnerable de lo que hoy tratamos de realizar.  Estamos en el camino del encuentro con una verdad que consideramos propia.  Para esto el lenguaje neofigurativo que practicamos puede llegar a ser chocante, brutal, acusador.  Puede tener color de protesta o juicio cáustico.  Debe ser crítico y cortante.  Debe ser humano, apasionado y real, catártico, directo.

Por ahora tomamos del arte pasado y presente los abonos necesarios para fertilizar el anhelo de una comunicación más henchida en el futuro.  Tenemos aún mucha deuda con todos aquellos visionarios de una humanidad latente en su pintura.  Con los Boscos, Goyas, Soutines, Munchs, Orozcos, Jorns, Dubuffets, Cacons, Sauras, etcétera.  No olvidamos al anónimo romántico y gótico al de Chichén y Piedras Negras, al tallador de máscaras y decorador primitivo de cerámica.  Pero fundamentalmente, no olvidamos los seres y las cosas del ambiente que nos rodea.

Lo que somos

Llegamos al punto de una confluencia muchas veces intuida.  Las figuraciones y fantasmas que tienen paralelo con los muñecos populares o con las imágenes carcomidas y mutiladas de la imaginería colonial, en Quiroa.  Los cuerpos flotantes y los paisajes terrosos –telurismo hincado de protesta- en Rojas.  Las formaciones de personajes monstruosos y desgarrantes –presencia de los viejos mitos y los dioses tutelares- en los dibujos y pinturas de Cabrera.  Los tres hemos practicado hasta ahora una secuencia pictórica que va del arcaísmo maya al flujo de nuestra popular idiosincrasia actual.  Los tres hemos mantenido cada uno por su lado y con influencias diferentes, una preocupación de humanidad constante y de interés marcado en la conciencia del ancestro y de la época.  En el lugar de donde partimos y de donde intentamos hoy, revalorizar nuestro lenguaje.

A dónde vamos

Los tres hemos decidido unir nuestra experiencia anterior y presente para comunicar una intención más radical y violenta en lo que proponemos.  Juntos compartimos una vivencia común y un concepto plástico arraigado en la nueva figuración que no da tregua al encantamiento abstracto.  La preocupación que mantenemos está más cerca, a nuestro lado.  No necesitamos correr en busca de antifaces para cubrir la realidad adyacente y la verdad de lo que realmente somos.  Y a esa realidad, nos dirigimos, descartando también toda confusión de giro ochocentista, naturalista o neorrealista de tipo cártel publicitario o demagógico.  El figurativismo que nos interesa es de otra intención más visionaria y simbólica, profética y acusadora.  La potencia y eficacia de este figurativismo se concibe dentro de la inquietud del hombre contemporáneo y la conciencia de su época que se desgarra aspira a la comunión a la unidad.

Y como principio de este acercamiento humanitario, dejamos caer la primera vértebra de la columna triangular que nos sostiene.

Roberto Cabrera, Marco Augusto Quiroa, Elmar Rojas

Guatemala, marzo de 1969.

(Publicado en El Imparcial el 6 de marzo de 1969)

--o--

Disección de Vértebra   Por Margot Fanjul   

Punto No. 1

TEXTO: (Existen) "dos posibilidades en la expresión plástica contemporánea.  La que idealiza una aspiración de claridad, formalidad y precisión externa y la otra interior, expresiva, vital cósmica.  Una despersonalizada y fría en su objetividad abstracta y la otra, ensimismada en la arraigada expresión de lo humano".

COMENTARIO: "El arte abstracto organiza conscientemente formas y colores que surgen del inconsciente y se convierten automáticamente en diseños de una exactitud casi matemática.  son de nuevo objeto y tema, pero invención pura del mundo interior". 

Frederick Core.- "Arte Abstracto".

TEXTO:    "Nos interesa el hombre en el ambiente, no la mecánica vacuedad biológica del abstraccionismo y la matemática reguladora del instinto...".

COMENTARIO: "Cuando tienden hacia la abstracción, la pintura y la escultura se han reunida ya -en intención- con las etapas recientes del pensamiento físico, matemático y filosófico.

Los juegos de forma y de colores, desprendidos de su contexto concreto, implican la existencia de redes conceptuales de un nivel incontestablemente superior.  Significan comparaciones y apreciaciones de nociones puras, que existen, claro está, a nivel anecdótico, pero que se desprenden de éste para formar los conceptos necesarios a una percepción y a un control más vasto, rápido y sencillo de todas las relaciones entre volúmenes y luz.  Por medio de la Abstracción, estas dos artes tienden hacia una filosofía de las esencias...".

Jean Xenakis.-  "El Poema Electrónico, 1958".

Punto No. 2

TEXTO:  "Nuestro lenguaje requiere hermanarse con el universo de la célula y la formación matérica.  No como floración de análisis científico... pero la abstracción refleja dejo de manifestarse cuando descubrimos la potestad de nuestra posición geográfica y calidad antropológica".

COMENTARIO: "La civilización maya lleva en sí, el acto dinámico y misterioso del enigma, y al mismo tiempo, posee un carácter científico que no hallamos en otras culturas.  Porque considerando esa geometría que fue el alma del pensamiento terrestre y celeste de los mayas (de igual modo que las matemáticas y la geometría son el alma de la cultura griega), sostengo que la civilización y la religión príncipe de las Américas son, en la historia universal, las que tienen un mayor grado de elementos científicos, sin incluir claro está, a la civilización occidental de nuestro tiempo.  En el mundo maya, la ciencia es religión y la religión es ciencia, y al mismo tiempo ambas son arte.  Nada es accidental.... todo es metódico y sistemático.... ninguna otra civilización o religión han sido tan sistemáticas, y por lo que hace al calendario maya, esta ciencia es un paradigma de orden y sistemas perennes.

El Crótalus Durissus representa algo así como una suma de los fenómenos de la naturaleza.  Representa el orden cósmico en medio del caos, el espíritu divino y ordenador, significa la certidumbre matemática, el deseo de hallarle un centro invariable a la naturaleza.  A ello se debe que el arte maya no sea simplemente otro arte, sino el símbolo de una naturaleza viviente.  Basado en el Crótalus y representado este tal cuerpo de fenómenos, este arte es eterno en cuanto duren la Tierra y nuestro sistema solar.  El arte maya (arquitectura, escultura, cerámica, pintura y escritura jeroglífica) no se refieren a fenómenos del pasado sino actuales.  Expresa fenómenos cosmológicos y posiblemente leyes.  Para los mayas, su religión tuvo un carácter científico y la ciencia un carácter divino"

José Díaz Bolio "La Geometría de los Mayas".

Punto No. 3

TEXTO:  "Al diseño temporal de una computadora, anteponemos la forma cortical del cuerpo"...

COMENTARIO: "Aun cuando estos señores nostálgicos del pasado siguen cantando a los pegasos, sin pensar en esos superpegasos modernos que se desplazan a la velocidad de mil kilómetros por hora, a diez mil metros de altura ¿Que no es humano" Que todo esto no es humano, vaya con el cuento de lo deshumanizado.  Por el contrario.  Es doblemente humano, porque se trata de creaciones, ya lo decíamos, del hombre.  Es el creador, gozador y víctima de sus creaciones.  Superó a la naturaleza la mejoró, es creador ya de otra naturaleza una supernaturaleza".

Miguel Angel Asturias.

Punto No. 4

TEXTO:  "Nos interesa el hombre en el ambiente... no la matemática reguladora del instinto... a la funcionalidad científica restamos el mito y la expansión subconsciente de la época... en un espacio intermedio que va del sueño a la vigilia como en el siglo XV".

COMENTARIO: Contrariamente a aquella opinión, es el modernismo extremo el que puede llevar a los hombres a meditar últimamente sobre la posible existencia de otro estado de conciencia:  un estado de conciencia despierta.  En este sentido, las matemáticas, las físicas, hoy, se dan la mano con los míticos de ayer.  Para una inteligencia que experimenta la absoluta necesidad de una transmutación, no estamos en un momento de desprecio del siglo por el contrario, en un momento de amor.

L. Pauwels y J. Bergier.  "El Retorno de los Brujos"

Punto No. 5

TEXTO:  “… entre los dos polos –clasicismo – expresionismo- nos aproximamos al segundo… entonces metimos las manos en nosotros mismos para sacar el corazón de nuestra substancia étnica… …tenemos aún mucha deuda con todos aquellos visionarios de una humanidad latente…”

COMENTARIO:  “…precisamente porque la justificación del expresionismo no reside en lo racional sino en lo vital, nos encontramos hoy (1919) ante una crisis: no es su ratio lo que está resentido (desde el punto de vista lógico, sus Manifiestos siguen siendo en la actualidad tan verdaderos o falsos como lo fueron en el momento que se proclamaron por primera vez), lo que está flaqueando es su vitalidad.  Se ha agotado vitalmente, no racionalmente, y sólo por eso el caso es desesperante . Por muy ávidamente que el expresionismo extienda sus tentáculos en todas direcciones, el espacio que lo rodea se ha rarificado y agotado; ya no proporciona elementos vitales de sustento.  Hace mucho que oíamos que los gritos del expresionismo eran cada vez más estridentes, porque cada vez encontraban menos obstáculos para su repercusión.  La gesticulación del expresionismo se trocaba cada vez más en un juego espectral de gestos vacíos. No tuvo más que caer en el ambiente del momento una expresión tan tremenda como “decadencia de Occidente” para que se produjera la catástrofe de la otra perspectiva visual : de pronto se vió al expresionismo desde atrás, se le miró al reverso y se le mostró como el gran pánico final de un arte que desespera de sí mismo.  

Pero no fue lo único que impulsó al autoconocimiento. Este autoconocimiento se encaminó además por otra vía más silenciosa.  Partió trágicamente de aquello en que más se apoyaba el expresionismo para vigorizarse y afirmarse; me refiero a su vínculo con el arte pasado, con el expresionismo elemental del gran estilo. Todos sabemos cómo se empeñó el expresionismo actual en buscar antecedentes genealógicos.

 

“Al introducir en el mundo aquellos fenómenos pasados, se fue afirmando en nosotros la convicción que la repetición moderna del espectáculo expresionista, al final de cuentas, sólo se realizaba dentro del taller y sólo era posible basándose en una ficción más o menos confesada. Pero ¿qué fue lo que nos dio valor para emprender esta última y más audaz ficción de la historia del arte?  Vacilante, aunque ineludible, apareció la respuesta: el temor al vacío”

Wilhelm Worringer.  “El Arte y sus Interrogantes”

Punto No. 6

TEXTO:  El grupo VÉRTEBRA opone, entre otros ejemplos, el Partenón (clásico-geométrico que ellos identifican con el abstraccionismo) y la catedral de Chartres (figurativo-expresionista).

COMENTARIO: “El espíritu abstracto, durante el período romántico, aparece principalmente a través de estos elementos ornamentales (*) no figurativos, geométricos o de flora estilizada que pierde su carácter de naturaleza.  Pero también se manifiesta en el concepto que preside la estatuaria y la pintura de figuras.  En la primera, por el valor del volumen en sí y del canon sobre la expresión, por el interés otorgado a los pliegues y por la expresión ornamental de éstos, cabelleras, cenefas, etcétera, cual en el pórtico real de Chartres de mediados del siglo XII”

“El Espíritu Abstracto”  Juan Eduardo Cirlot

(*) Aquí se empela la palabra ornamento en su sentido más elevado de la función mística y mágica del ornamento primitivo.

Punto No. 7

TEXTO: Entre los dos polos clasicismo-expresionismo nos aproximamos al segundo . . .  No donde el espíritu abstracto ha dominado sino la faz íntegra del hombre.

COMENTARIO:  “El sentido de la totalidad de las cosas es quizás el rasgo más típico de la mente griega: La resolución con que Homero, pese a su amor por el detalle particular y el carácter individual, encierra firmemente esta tendencia dentro de un marco universal;  la versatilidad con que tantos griegos ejercieran diversas funciones a la vez, tal como Solón, que es político y reformador económico, hombre de negocios y poeta; el modo en que la propia Polis se convierte no en una máquina de gobernar, sino en algo consustanciado con la vida integral.  El pensamiento moderno divide, especializa, piensa en categorías; el instinto griego era lo opuesto; prefería adoptar los puntos de vista más amplios, ver las cosas como un conjunto orgánico.  Los discursos de Cleón y Diodoto mostraban prácticamente lo mismo: los problemas particulares deben ser generalizados”.

H.D.F. Kitto. –“Los griegos”.

Punto No. 8

TEXTO: “Como en el siglo XV, el de las Catedrales (?), la telaraña del misterio y de la fantasía rigen la oscuridad de nuestro afán y sed universal”. 

COMENTARIO: Cualquier artista tiene el derecho de identificarse con las telarañas que quiera.  A propósito del siglo XV, dice Huxley:  “Periodos en los cuales el tema de la muerte ha hecho furor han resurgido varias veces en la historia Europea.  El siglo XV, por ejemplo, era una época donde muertos, calaveras y esqueletos eran extremadamente populares.  Se les pintó, se les esculpió, se escribió sobre ellos y se representaban dramáticamente.  La Danza Macabra andaba por doquiera.  Para el artista del siglo XV, tener un buen “death-appeal” era la llave segura del éxito como es hoy en Hollywood un “sex-appeal”.

                                                                                                                            

Aldous Huxley,  “Del Arte y sus Artistas”.

Punto No. 9

TEXTO: “Nuestro lenguaje figurativo deviene de la realidad que nos circunda.  No nos preocupamos –con conocimiento de causa— de los últimos estertores del arte abstracto en Nueva York, Japón, Inglaterra, Argentina o París”.

COMENTARIO: “Si hablamos en nuestro propio idioma, solo podemos hablarnos entre nosotros mismos. Cualquier lugar tiene su propia variedad de provincialismos pero hay que conocer muchos provincialismos si se desea determinar hondas verdades respecto al de uno mismo”.

                                              

Rodríguez Monegal

Punto No. 10

TEXTO: “Una despersonalizada y fría en su objetividad abstracta. . . la que tiende a la perfección inmaculada de la mentalidad clásica. . .  más cerca del demonio medieval que del encanto griego”.

COMENTARIO: “No debemos olvidar que los griegos eran meridionales.  La serenidad de su arte, su equilibrio mental, y la segura doctrina del justo medio, fomentan quizás la idea de que el griego era una criatura imperturbable y desapasionada.  La idea es posiblemente fortalecida por las concepciones propias del neoclasicismo de los siglos XVII y XVIII y también por las modernas representaciones de los dramas griegos en que mujeres de ropajes oscuros se reúnen en grupos escultóricos sobre el escenario y recitan en unison artificioso y más bien perturbador pasajes de lúgubre mitología.

Todo esto es un error.  Nada que nos estremezca con excitación controlada es griego clásico, aunque pueda ser posclásico.  Si Esquilo no excita y transfigura es porque no se ha llegado a comprenderlo.  (Quizás sea imposible captar a Esquilo en la actualidad sin estudiarlo pero este es otro problema).

Sobre la naturaleza esencialmente apasionada de los griegos: Los griegos no se empeñaban en ser monótonos, sino que por el contrario, exigían vida, movimiento y color.  En realidad, ellos coloreaban sus estatuas, un descubrimiento que ha constituido una gran sorpresa para muchos eruditos modernos.

La doctrina del justo medio es creación griega, pero esto no debe hacernos pensar que el griego era un hombre que no tenía  conciencia de sus pasiones, un hombre equilibrado, anestésico, moderado.  Por el contrario, valoraba tanto la Medida porque era propenso a todos los extremos.  Nosotros los pesados septentrionales, tenemos cierta furtiva admiración por los extremos  (!) Pero el griego, él no necesitaba disimular su pasión.  Procuraba el control y el equilibrio, como exigencia espiritual, conocía demasiado bien los extremos. Cuando hablaba de la MEDIDA, no estaba muy lejos de su mente la imagen de la cuerda templada.  La medida no implicaba ausencia de tensión y carencia de entusiasmo, sino la tensión correcta que profiere la nota justa y nítida”.

H.D.F.  Kitto –“Los Griegos”        

Punto No.  11

TEXTO: “Nos Interesa…  no donde el espíritu abstracto ha dominado, no la decoración geométrica… También hicimos arte ornamental , divagaciones que hoy se llaman ops, cinéticas, espacialistas, minimales, semióticas, etcétera.”

COMENTARIO:  “La presencia de símbolos signos enigmáticos y de expresión misteriosa , en las tradiciones religiosas, las obras de arte, los cuentos y las costumbres del folklore, dan fe de la existencia de un lenguaje universalmente extendido en Oriente y en Occidente, y cuya significación transhistórica parece situarse en la raíz misma de nuestra existencia, de nuestros conocimientos y de nuestros valores”.

René Alleau.-  “La Naturaleza de los Símbolos”

Punto No. 12

TEXTO: “Nos  interesa la otra cara del fiel, la que viene rodando con gran ruido desde las improntas de mano en el Magdaleniense”.

COMENTARIO:  “Las más antiguas pinturas del período auriñacience son improntas de manos en negativo, pintadas en rojo y luego en negro (Cueva del Castillo Puente Viesgo, Santander) …  …Las improntas de mano que Miró ha utilizado en sus composiciones, en nuestros días, dan a dichas pinturas un carácter marcadamente irrealista si no abstracto”.  

“El Espiritu Abstracto”  Juan Eduardo Cirlot

Punto No. 13 

TEXTO: “El arte que hacemos está por encima… del mundial artepurismo… Toma de conciencia que nos aproxima… al reluciente retablo colonial la fantasía folklórica, y artesanal del mestizaje”. 

COMENTARIO: Acerca de los artistas latinoamericanos, Roger Stone, dice: “Hay una característica que los une;  su seriedad.  Saben lo que quieren y están resueltos a lograrlo.  Lo que quieren es una mayor amplitud que les permita, a ellos y a sus países situarse a la par con el resto del mundo.  Se resienten que los países de la América Latina sigan siendo lo que Carlos Fuentes llamó una vez: Los balcanes de la cultura.  Hoy las casas editoriales y las galerías de arte, empiezan a conocer mejor a los latinoamericanos.     Ya no buscan en ellos solamente lo arcaico y lo folklórico. Buscan la excelencia que puede medirse por cualquier patrón, viejo o nuevo, y saben que pueden hallarla”.

Punto No. 14

TEXTO:  “A dónde vamos” 

COMENTARIO:  Lo que más nos impresiona del grupo Vértebra es su confortable acondicionamiento a lo que Ortega y Gasset llama el Hombre y su Circunstancia, el “Yo, aquí, ahora”.  Constituye una magnífica exposición de un estado de ánimo ideal para el conformista y el bien adaptado pero como si esto fuera poco, también saben exactamente la dirección a tomar.

“Todo lo que se oponga a esta voluntad irreductible de descubrimiento es –si no del dominio de la muerte,  puesto que no hay muerte en el arte-  una parálisis  de las facultades, las más fecundas del artista.  Por eso debemos proclamar la necesidad de mantener la libertad del descubrimiento contra todo lo que pretenda fijar de antemano la dirección a seguir”.

Malraux.

(Nota del autor.-  Los subrayados  son míos).    MARGOT FANJUL

(Publicado en El Imparcial el 21 de marzo de 1969).

Fuente: Hemeroteca Nacional Clemente Marroquín Rojas,  julio 2014.  / Edición e introducción El Azar Cultural.

Imagen:  Daniel Schafer, diseños para Galería DS.   Galería DS una celebración 50 años después.  Pinturas de Roberto Cabrera, agosto 1968. Pintura del ´59 al ´68 de Margot Fanjul, julio 1968.  Obra gráfica en serigrafía por ArtePapel S.A Edición de 50, Guatemala, julio 2014.