La DS fue la primera galería de arte en Guatemala. Fundada en 1964 presentó un tipo de arte que
nunca antes se había mostrado en el país, fue el punto de partida de las
vanguardias y adelantó la manera contemporánea de mostrar muchas obras. Propuso montajes ambientales e
instalaciones. Además promovió esas
actividades a través de un diseño gráfico único e impecable, hecho por Daniel
Schafer en serigrafía. Muchos de esos
diseños conservan plena vigencia al
igual que los logotipos de empresas e instituciones que Schafer diseñara. La galería DS inicia y propicia el
coleccionismo de arte en Guatemala.
Ana María Rodas, en una entrevista para Radio Infinita 100 hecha el 23 de mayo de 2014,
comenta: La DS era un centro donde
bullía de todo, llegaban los artistas, los escritores, los personajes
curiosos. La DS fue una especie de
panal donde pasaba de todo. No sólo se exhibía arte, pero el arte allí exhibido
era cuidadosamente seleccionado. Era una
manera de enseñar a la gente quién verdaderamente tenía valor. Allí llegaba Quiroa, Cabrera, Elmar … ¡quién
no llegaba a la DS! Además, en la
Colonia Reforma vivían Cabrera, Schafer y Edith Recourat. Todos amigos, todos intelectuales llevando el
pulso del arte en esos momentos.
En la DS se exhibía el mejor arte plástico que se estaba
haciendo en ese momento. Pero cuando uno
llegaba y conocía a Danny, uno quedaba embrujado por su personalidad. Era un espacio donde se hablaba de la plástica
que se hacía en Guatemala y en todo el mundo.
Cómo esos cambios repercutían en una Guatemala de 600,000 habitantes.
La DS fue el medio que enseñó a los guatemaltecos a tener
colecciones de arte.
En Guatemala sucedían cosas y en la DS hubo una
escisión: se desprendieron tres, Quiroa,
Cabrera y Rojas que defendían el arte figurativo, frente al arte abstracto que
hacía Margot Fanjul.
CONTEXTO
Guatemala iba lentamente desprendiéndose del arte académico
con Valenti, Mérida, Vásquez, González Goyri, entre otros. El calor de las segundas vanguardias empieza
a irradiar las mentes y los pulsos creadores de un grupo de artistas que, como
es sabido por todos, emprende la búsqueda de lenguajes propios al tenor de lo
oriundo. La década de 1960 es de
intensidad en la historia de la humanidad y de referencia obligada en las artes
visuales de Guatemala. La fuerza de las
propuestas, de los argumentos que los amparaban y la convicción de aquellos
pioneros ha servido de plataforma las manifestaciones actuales.
El Imparcial, acogió en sus
páginas del 6 de marzo de 1969 un texto del Grupo Vértebra (Roberto Cabrera -
Marco Augusto Quiroa – Elmar Rojas) que, con fecha 21 del mismo mes y año, fue
diseccionado por Margot Fanjul. En estos
escritos se observa el talante intelectual de esta polifacética artista y el no
menos elegante y lúcido discurso de sus oponentes.
Los primeros manifestaron su
posición, aludieron a su época y ambiente, a lo que hacían, lo que eran y a
dónde iban. Todo un manifiesto –el
definitivo estaba en ciernes- que recuperó las preguntas básicas de Platón: quiénes somos, de dónde
venimos y a dónde vamos. La segunda,
mediante citas de intelectuales y subrayados propios, disiente y expresa lo
propio, sin dejar de aludir a la cosmovisión maya y a la geometría intrínseca a
su vocabulario visual.
Hoy, que prevalecen los
argumentos, los discursos y los intercambios de opiniones acerca del arte al
extremo que llegan a ahogar las obras mismas, sirva la relectura de estos
escritos para reflexionar y contextualizar lo que en la palestra del arte de hoy
se está gestando. Subyace la intención
de rendir homenaje a la Galería DS a los 50 años de su creación, pues su
espacio acogió muestras de los artistas mencionados, fue el punto de ignición,
el de encuentro y el detonante del inicio del arte de vanguardia en el
país. Es oportuno conocer los puntos de
vista de sus creadores, la claridad de sus exposiciones, el rigor y el orden de
sus reflexiones y el respeto que, a pesar de las divergencias, se tuvieron unos
con otros.
La Galería DS se fundó el 24 de julio de 1964. El grupo
Vértebra en 1969, dejó caer la primera vértebra
de la columna triangular que lo sostenía… .
Se invita al amable lector a que tome contacto con lo dicho
por cada quien. Es importante hacer
notar que Margot Fanjul
falleció en 1998 y que el 22 de julio de
2014, deja de estar entre nosotros
Roberto Cabrera. Lo que ellos estarán discutiendo en el más allá sería digno
de oírse.
Grupo Vértebra
(Cabrera – Quiroa – Rojas)
Posición – Época – Ambiente – Lo que hacemos – Lo que somos
– A dónde vamos
Sumergido entre la incertidumbre y el miedo, la técnica y el
proceso, la ciencia y la ficción, el mito y la leyenda, la abstracción y la
naturaleza. Internado en el siglo de los
infiernos bélicos y la infección atómica.
Acompañado todo el tiempo de otros tiempos. Entusiasmado en porvenires anunciados. En un presente desmembrado. Entre la razón y la barbarie. El arte y su lenguaje.
Nuestra posición
Dos posibilidades en la expresión plástica contemporánea.
Dos direcciones distintas que se dan a la energía creadora del artista. La que idealiza una aspiración de claridad,
formalidad y precisión externa, y la otra, interior expresiva, vital,
cósmica. Una despersonalizada y fría en
su objetividad abstracta y la otra, ensimismada en la arraigada expresión de lo
humano. La que tiende a la perfección
inmaculada de la mentalidad clásica y la que fija espuelas en la carne atormentada. Leonardo y Goya. Mondrian y Munch. El Partenón y Chartres.
Entre los dos polos –clasicismo/expresionismo- nos
aproximamos al segundo. Más cerca del
demonio medieval que del encanto griego.
En la ansiedad metafísica del siglo y su condición existencial nos interesa
el hombre en el ambiente. No la mecánica
vacuedad biológica del abstraccionismo y la matemática reguladora del
instinto. Junto al trascendentalismo del
mundo gótico de expresión agitado y terrible, buscamos al hombre en el
laberinto del tormento contemporáneo. Al
diseño temporal de una computadora, anteponemos la forma cortical del
cuerpo. A la funcionalidad científica,
restamos el mito y la expansión subconsciente de la época.
En la época
Nuestro lenguaje quiere hermanarse con el universo de la
célula y la formación matérica. No como
formación de análisis científico, más bien, alquimia de evolución
artística. Porque vivimos a pesar de
todo en un tiempo indefinido y tenso donde el alucinado es el profeta de otros
mundos. En un espacio intermedio que va
del sueño a la vigilia. Como en el siglo XV –el de las catedrales- la telaraña
del misterio y la fantasía rigen la obscuridad de nuestro afán y sed
universal. Paralelismo existencial en el
límite insondable de la búsqueda.
Renacimiento presentido en un futuro equilibrado.
El cilicio del progreso nos subyuga. Las visiones y las tentaciones en la ansiedad
de una teratológica multiforme. Ver el
mundo en la reencarnación del vaho más mágico del presentimiento. Queremos insistir –colocados aquí, en este
ambiente- en lo que está debajo de la máscara.
En el gesto o la mueca que se cubre con el antifaz de la Física y la Química. Del desarrollo puro para unos y donde el
plástico es la nueva piel del hombre.
Donde se trasplantan corazones y se refrigeran cadáveres para despertar
mañana. De máquinas voladoras que dan
vueltas a la Luna y urgan Venus. De los
poderes infernales en el suplicio de la guerra.
De Dachaus e Hiroshimas. De blancos
y negros. De altos y bajos.
En nuestro ambiente
Aquí en nuestro medio primigenio, crudo, andante, evolutivo,
queremos confortar una propuesta. El
arte que hacemos está por encima del juego conformista de los cantos de sirena
del mundial artepurismo La expansión
abstracta es tan falsificada para nosotros como el tradicionalismo craso.
Nos colocamos en el riel de nuestra conformación genética,
fieles a una expresión comunicante con el medio. Nuestro lenguaje figurativo deviene de la
realidad que nos circunda. No nos
preocupamos –con conocimiento de causa- de los últimos estertores del arte
abstracto en Nueva York, Japón, Inglaterra, Argentina o París. Reconocemos y valoramos la calidad intrínseca
de sus raíces. Pero nos interesa la otra
cara del fiel. La que viene rodando con
gran ruido desde las improntas de manos en el magdalinense. No donde el espíritu abstracto ha dominado,
sino la faz íntegra del hombre. No la
decoración geométrica, sino la imagen.
En un tiempo corrimos tras el aro, hoy estamos dentro. También hicimos arte ornamental en un
principio. También jugamos en los patios
y jardines de Cézanne con sus conos, esferas y cuadrados. También rondamos el rosetón de estas
consecuencias juveniles. Pinturas de
vuelo cubistoide o afán estilizado.
Divagaciones que hoy se llaman ops, cinéticas, espacialistas, minimales,
semióticas, etcétera. Pero la abstracción
refleja dejó de manifestarse, cuando descubrimos la potestad de nuestra
posición geográfica y calidad antropológica.
Estar hundido y saturado en la vivencia natural de este recinto, con sus
herencias duales y presente propio.
Entonces metimos las manos en nosotros mismos para sacar el
corazón de nuestra substancia étnica.
Primero encontramos al caudal precioso de la prehispania. Después, la llegada, la conquista, el cruce
ibérico. Y por último la afluencia
biformal del resultado. Lo que somos y
donde estamos es ahora más importante para nosotros que la novedad estilística
en lo que hacemos. Toma de conciencia
que nos aproxima a Bonampak y Chichén Itzá primeramente y luego al reluciente
retablo colonial y la fantasía popular, folclórica y artesanal del
mestizaje. Y hoy después de todo en la
certidumbre de nuestro destino y ebullición constante, en la plenitud de una
verdad reconocida.
Lo que hacemos
Tenemos y nos hacemos un compromiso con la expresión en nuestro
arte. De donde somos estamos,
vamos. Lo que puede cautivarnos, no nos
impide ver el punto vulnerable de lo que hoy tratamos de realizar. Estamos en el camino del encuentro con una
verdad que consideramos propia. Para
esto el lenguaje neofigurativo que practicamos puede llegar a ser chocante,
brutal, acusador. Puede tener color de
protesta o juicio cáustico. Debe ser
crítico y cortante. Debe ser humano,
apasionado y real, catártico, directo.
Por ahora tomamos del arte pasado y presente los abonos
necesarios para fertilizar el anhelo de una comunicación más henchida en el
futuro. Tenemos aún mucha deuda con
todos aquellos visionarios de una humanidad latente en su pintura. Con los Boscos, Goyas, Soutines, Munchs,
Orozcos, Jorns, Dubuffets, Cacons, Sauras, etcétera. No olvidamos al anónimo romántico y gótico al
de Chichén y Piedras Negras, al tallador de máscaras y decorador primitivo de
cerámica. Pero fundamentalmente, no
olvidamos los seres y las cosas del ambiente que nos rodea.
Lo que somos
Llegamos al punto de una confluencia muchas veces
intuida. Las figuraciones y fantasmas
que tienen paralelo con los muñecos populares o con las imágenes carcomidas y
mutiladas de la imaginería colonial, en Quiroa.
Los cuerpos flotantes y los paisajes terrosos –telurismo hincado de protesta-
en Rojas. Las formaciones de personajes
monstruosos y desgarrantes –presencia de los viejos mitos y los dioses
tutelares- en los dibujos y pinturas de Cabrera. Los tres hemos practicado hasta ahora una
secuencia pictórica que va del arcaísmo maya al flujo de nuestra popular
idiosincrasia actual. Los tres hemos
mantenido cada uno por su lado y con influencias diferentes, una preocupación
de humanidad constante y de interés marcado en la conciencia del ancestro y de
la época. En el lugar de donde partimos
y de donde intentamos hoy, revalorizar nuestro lenguaje.
A dónde vamos
Los tres hemos decidido unir nuestra experiencia anterior y
presente para comunicar una intención más radical y violenta en lo que
proponemos. Juntos compartimos una
vivencia común y un concepto plástico arraigado en la nueva figuración que no
da tregua al encantamiento abstracto. La
preocupación que mantenemos está más cerca, a nuestro lado. No necesitamos correr en busca de antifaces
para cubrir la realidad adyacente y la verdad de lo que realmente somos. Y a esa realidad, nos dirigimos, descartando
también toda confusión de giro ochocentista, naturalista o neorrealista de tipo
cártel publicitario o demagógico. El
figurativismo que nos interesa es de otra intención más visionaria y simbólica,
profética y acusadora. La potencia y
eficacia de este figurativismo se concibe dentro de la inquietud del hombre
contemporáneo y la conciencia de su época que se desgarra aspira a la comunión
a la unidad.
Y como principio de este acercamiento humanitario, dejamos
caer la primera vértebra de la columna triangular que nos sostiene.
Roberto Cabrera, Marco Augusto Quiroa, Elmar Rojas
Guatemala, marzo de 1969.
(Publicado en El
Imparcial el 6 de marzo de 1969)
--o--
Disección de Vértebra Por Margot Fanjul
Punto No. 1
TEXTO: (Existen) "dos posibilidades en la expresión
plástica contemporánea. La que idealiza
una aspiración de claridad, formalidad y precisión externa y la otra interior, expresiva, vital
cósmica. Una despersonalizada y fría en
su objetividad abstracta y la otra, ensimismada en la arraigada expresión de lo
humano".
COMENTARIO: "El arte abstracto organiza conscientemente formas y
colores que surgen del inconsciente y se convierten automáticamente en diseños
de una exactitud casi matemática. son de
nuevo objeto y tema, pero invención pura del mundo interior".
Frederick Core.-
"Arte Abstracto".
TEXTO: "Nos
interesa el hombre en el ambiente, no la mecánica
vacuedad biológica del abstraccionismo y la matemática reguladora del
instinto...".
COMENTARIO: "Cuando tienden hacia la abstracción, la pintura y la
escultura se han reunida ya -en intención- con las etapas recientes del
pensamiento físico, matemático y filosófico.
Los juegos de forma y
de colores, desprendidos de su contexto concreto, implican la existencia de
redes conceptuales de un nivel incontestablemente superior. Significan comparaciones y apreciaciones de
nociones puras, que existen, claro está, a nivel anecdótico, pero que se
desprenden de éste para formar los conceptos necesarios a una percepción y a un
control más vasto, rápido y sencillo de todas las relaciones entre volúmenes y
luz. Por medio de la Abstracción, estas
dos artes tienden hacia una filosofía de las esencias...".
Jean Xenakis.- "El Poema Electrónico, 1958".
Punto No. 2
TEXTO: "Nuestro
lenguaje requiere hermanarse con el universo de la célula y la formación
matérica. No como floración de análisis científico... pero la
abstracción refleja dejo de manifestarse cuando descubrimos la potestad de
nuestra posición geográfica y calidad
antropológica".
COMENTARIO: "La civilización maya lleva en sí, el acto dinámico y
misterioso del enigma, y al mismo tiempo, posee un carácter científico que no
hallamos en otras culturas. Porque
considerando esa geometría que fue el
alma del pensamiento terrestre y celeste de los mayas (de igual modo que
las matemáticas y la geometría son el alma de la cultura griega), sostengo que
la civilización y la religión príncipe de las Américas son, en la historia
universal, las que tienen un mayor grado de elementos científicos, sin incluir
claro está, a la civilización occidental de nuestro tiempo. En el
mundo maya, la ciencia es religión y la religión es ciencia, y al mismo tiempo
ambas son arte. Nada es
accidental.... todo es metódico y sistemático.... ninguna otra civilización o
religión han sido tan sistemáticas, y por lo que hace al calendario maya, esta
ciencia es un paradigma de orden y sistemas perennes.
El Crótalus Durissus representa algo así como una suma de
los fenómenos de la naturaleza.
Representa el orden cósmico en medio del caos, el espíritu divino y
ordenador, significa la certidumbre matemática, el deseo de hallarle un centro
invariable a la naturaleza. A ello se
debe que el arte maya no sea simplemente otro arte, sino el símbolo de una
naturaleza viviente. Basado en el
Crótalus y representado este tal cuerpo de fenómenos, este arte es eterno en
cuanto duren la Tierra y nuestro sistema solar.
El arte maya (arquitectura, escultura, cerámica, pintura y escritura
jeroglífica) no se refieren a fenómenos del pasado sino actuales. Expresa fenómenos cosmológicos y posiblemente
leyes. Para los mayas, su religión tuvo
un carácter científico y la ciencia un carácter divino"
José Díaz Bolio "La
Geometría de los Mayas".
Punto No. 3
TEXTO: "Al
diseño temporal de una computadora, anteponemos
la forma cortical del cuerpo"...
COMENTARIO: "Aun cuando estos señores nostálgicos del pasado siguen
cantando a los pegasos, sin pensar en esos superpegasos modernos que se
desplazan a la velocidad de mil kilómetros por hora, a diez mil metros de
altura ¿Que no es humano" Que todo esto no es humano, vaya con el cuento
de lo deshumanizado. Por el
contrario. Es doblemente humano, porque se trata de creaciones, ya lo decíamos, del
hombre. Es el creador, gozador y
víctima de sus creaciones. Superó a la
naturaleza la mejoró, es creador ya de otra naturaleza una
supernaturaleza".
Miguel Angel Asturias.
Punto No. 4
TEXTO: "Nos
interesa el hombre en el ambiente... no la matemática reguladora del instinto...
a la funcionalidad científica restamos el mito y la expansión subconsciente de
la época... en un espacio intermedio que va del sueño a la vigilia como en el
siglo XV".
COMENTARIO: Contrariamente a aquella opinión, es el modernismo extremo
el que puede llevar a los hombres a meditar últimamente sobre la posible
existencia de otro estado de conciencia:
un estado de conciencia despierta. En este sentido, las matemáticas, las físicas,
hoy, se dan la mano con los míticos de ayer. Para una inteligencia que experimenta la
absoluta necesidad de una transmutación, no
estamos en un momento de desprecio del siglo por el contrario, en un momento de
amor.
L. Pauwels y J.
Bergier. "El Retorno de los
Brujos"
Punto No. 5
TEXTO: “… entre los dos polos –clasicismo –
expresionismo- nos aproximamos al segundo… entonces metimos las manos en
nosotros mismos para sacar el corazón de nuestra substancia étnica… …tenemos
aún mucha deuda con todos aquellos visionarios de una humanidad latente…”
COMENTARIO: “…precisamente porque la
justificación del expresionismo no reside en lo racional sino en lo vital,
nos encontramos hoy (1919) ante una crisis: no es su ratio lo que está
resentido (desde el punto de vista lógico, sus Manifiestos siguen siendo en la
actualidad tan verdaderos o falsos como lo fueron en el momento que se
proclamaron por primera vez), lo que está flaqueando es su vitalidad. Se ha agotado vitalmente, no racionalmente, y
sólo por eso el caso es desesperante . Por muy ávidamente que el expresionismo
extienda sus tentáculos en todas direcciones, el espacio que lo rodea se ha
rarificado y agotado; ya no proporciona elementos vitales de sustento. Hace mucho que oíamos que los gritos del
expresionismo eran cada vez más estridentes, porque cada vez encontraban menos
obstáculos para su repercusión. La
gesticulación del expresionismo se trocaba cada vez más en un juego espectral
de gestos vacíos. No tuvo más que caer en el ambiente del momento una expresión
tan tremenda como “decadencia de Occidente” para que se produjera la catástrofe
de la otra perspectiva visual : de pronto se vió al expresionismo desde atrás,
se le miró al reverso y se le mostró como el gran pánico final de un arte que
desespera de sí mismo.
Pero no fue lo único que impulsó
al autoconocimiento. Este autoconocimiento se encaminó además por otra vía más
silenciosa. Partió trágicamente de
aquello en que más se apoyaba el expresionismo para vigorizarse y afirmarse; me
refiero a su vínculo con el arte pasado, con el expresionismo elemental del
gran estilo. Todos sabemos cómo se
empeñó el expresionismo actual en buscar antecedentes genealógicos.
“Al introducir en el mundo
aquellos fenómenos pasados, se fue afirmando en nosotros la convicción que la
repetición moderna del espectáculo expresionista, al final de cuentas, sólo se
realizaba dentro del taller y sólo era posible basándose en una ficción más o
menos confesada. Pero ¿qué fue lo que nos dio valor para emprender esta última
y más audaz ficción de la historia del arte?
Vacilante, aunque ineludible, apareció la respuesta: el temor al vacío”
Wilhelm
Worringer. “El Arte y sus Interrogantes”
Punto No.
6
TEXTO: El grupo
VÉRTEBRA opone, entre otros ejemplos, el Partenón (clásico-geométrico que ellos
identifican con el abstraccionismo) y la catedral de Chartres
(figurativo-expresionista).
COMENTARIO: “El
espíritu abstracto, durante el período romántico, aparece principalmente a
través de estos elementos ornamentales (*) no
figurativos, geométricos o de
flora estilizada que pierde su carácter de naturaleza. Pero también se manifiesta en el concepto que
preside la estatuaria y la pintura de figuras.
En la primera, por el valor del volumen en sí y del canon sobre la
expresión, por el interés otorgado a los pliegues y por la expresión ornamental
de éstos, cabelleras, cenefas, etcétera, cual en el pórtico real de Chartres de
mediados del siglo XII”
“El Espíritu
Abstracto” Juan Eduardo Cirlot
(*) Aquí se empela la palabra ornamento en su sentido
más elevado de la función mística y mágica del ornamento primitivo.
Punto No. 7
TEXTO: Entre los dos polos clasicismo-expresionismo
nos aproximamos al segundo . . . No
donde el espíritu abstracto ha dominado sino la faz íntegra del hombre.
COMENTARIO: “El
sentido de la totalidad de las cosas es quizás el rasgo más típico de la mente
griega: La resolución con que Homero, pese a su amor por el detalle particular
y el carácter individual, encierra firmemente esta tendencia dentro de un marco
universal; la versatilidad con que
tantos griegos ejercieran diversas funciones a la vez, tal como Solón, que es
político y reformador económico, hombre de negocios y poeta; el modo en que la
propia Polis se convierte no en una máquina de gobernar, sino en algo
consustanciado con la vida integral. El
pensamiento moderno divide, especializa, piensa en categorías; el instinto
griego era lo opuesto; prefería adoptar los puntos de vista más amplios, ver las cosas como un conjunto orgánico. Los discursos de Cleón y Diodoto mostraban
prácticamente lo mismo: los problemas
particulares deben ser generalizados”.
H.D.F. Kitto.
–“Los griegos”.
Punto No. 8
TEXTO: “Como en el siglo XV, el de las Catedrales (?),
la telaraña del misterio y de la fantasía rigen la oscuridad de nuestro afán y
sed universal”.
COMENTARIO: Cualquier artista tiene el derecho de
identificarse con las telarañas que quiera.
A propósito del siglo XV, dice Huxley:
“Periodos en los cuales el tema de la muerte ha hecho furor han
resurgido varias veces en la historia Europea.
El siglo XV, por ejemplo, era una época donde muertos, calaveras y
esqueletos eran extremadamente populares.
Se les pintó, se les esculpió, se escribió sobre ellos y se
representaban dramáticamente. La Danza
Macabra andaba por doquiera. Para el
artista del siglo XV, tener un buen “death-appeal” era la llave segura del
éxito como es hoy en Hollywood un “sex-appeal”.
Aldous Huxley, “Del Arte y sus Artistas”.
Punto No. 9
TEXTO: “Nuestro lenguaje figurativo deviene de la
realidad que nos circunda. No nos
preocupamos –con conocimiento de causa— de los últimos estertores del arte
abstracto en Nueva York, Japón, Inglaterra, Argentina o París”.
COMENTARIO: “Si hablamos en nuestro propio idioma,
solo podemos hablarnos entre nosotros mismos. Cualquier lugar tiene su propia
variedad de provincialismos pero hay que conocer muchos provincialismos si se
desea determinar hondas verdades respecto al de uno mismo”.
Rodríguez
Monegal
Punto No. 10
TEXTO: “Una
despersonalizada y fría en su objetividad abstracta. . . la que tiende a la
perfección inmaculada de la mentalidad clásica. . . más cerca del demonio medieval que del encanto griego”.
COMENTARIO: “No debemos olvidar que los griegos eran
meridionales. La serenidad de su arte, su
equilibrio mental, y la segura doctrina del justo medio, fomentan quizás la
idea de que el griego era una criatura imperturbable y desapasionada. La idea es posiblemente fortalecida por las
concepciones propias del neoclasicismo de los siglos XVII y XVIII y también por
las modernas representaciones de los dramas griegos en que mujeres de ropajes
oscuros se reúnen en grupos escultóricos sobre el escenario y recitan en unison
artificioso y más bien perturbador pasajes de lúgubre mitología.
Todo esto es un error.
Nada que nos estremezca con excitación controlada es griego clásico,
aunque pueda ser posclásico. Si Esquilo
no excita y transfigura es porque no se ha llegado a comprenderlo. (Quizás sea imposible captar a Esquilo en la
actualidad sin estudiarlo pero este es otro problema).
Sobre la naturaleza esencialmente apasionada de los
griegos: Los griegos no se empeñaban en ser monótonos, sino que por el
contrario, exigían vida, movimiento y color.
En realidad, ellos coloreaban sus estatuas, un descubrimiento que ha
constituido una gran sorpresa para muchos eruditos modernos.
La doctrina del justo medio es creación griega, pero
esto no debe hacernos pensar que el griego era un hombre que no tenía conciencia de sus pasiones, un hombre
equilibrado, anestésico, moderado. Por
el contrario, valoraba tanto la Medida porque era propenso a todos los
extremos. Nosotros los pesados
septentrionales, tenemos cierta furtiva admiración por los extremos (!) Pero el griego, él no necesitaba
disimular su pasión. Procuraba el
control y el equilibrio, como exigencia espiritual, conocía demasiado bien los
extremos. Cuando hablaba de la MEDIDA, no estaba muy lejos de su mente la
imagen de la cuerda templada. La medida no implicaba ausencia de tensión y
carencia de entusiasmo, sino la tensión correcta que profiere la nota justa y
nítida”.
H.D.F. Kitto –“Los Griegos”
Punto No. 11
TEXTO: “Nos Interesa… no donde el espíritu abstracto ha dominado,
no la decoración geométrica… También hicimos arte ornamental , divagaciones que
hoy se llaman ops, cinéticas, espacialistas, minimales, semióticas, etcétera.”
COMENTARIO: “La presencia de símbolos signos enigmáticos y
de expresión misteriosa , en las tradiciones religiosas, las obras de arte, los
cuentos y las costumbres del folklore, dan fe de la existencia de un lenguaje
universalmente extendido en Oriente y en Occidente, y cuya significación
transhistórica parece situarse en la raíz misma de nuestra existencia, de
nuestros conocimientos y de nuestros valores”.
René Alleau.- “La Naturaleza de los Símbolos”
Punto No. 12
TEXTO: “Nos interesa la otra cara del fiel, la que viene
rodando con gran ruido desde las improntas de mano en el Magdaleniense”.
COMENTARIO:
“Las más antiguas pinturas del período auriñacience son improntas de manos en negativo, pintadas en rojo y
luego en negro (Cueva del Castillo Puente Viesgo, Santander) … …Las improntas de mano que Miró ha utilizado
en sus composiciones, en nuestros días, dan a dichas pinturas un carácter marcadamente
irrealista si no abstracto”.
“El Espiritu
Abstracto” Juan Eduardo Cirlot
Punto No. 13
TEXTO: “El arte que hacemos está por encima… del
mundial artepurismo… Toma de conciencia que nos aproxima… al reluciente retablo
colonial la fantasía folklórica, y artesanal del mestizaje”.
COMENTARIO: Acerca de los artistas latinoamericanos, Roger
Stone, dice: “Hay una característica que los une; su seriedad.
Saben lo que quieren y están resueltos a lograrlo. Lo que quieren es una mayor amplitud que les
permita, a ellos y a sus países situarse a
la par con el resto del mundo. Se
resienten que los países de la América Latina sigan siendo lo que Carlos
Fuentes llamó una vez: Los balcanes de la cultura. Hoy las casas editoriales y las galerías de
arte, empiezan a conocer mejor a los latinoamericanos. Ya
no buscan en ellos solamente lo arcaico y lo folklórico. Buscan la excelencia que puede medirse por cualquier patrón, viejo o
nuevo, y saben que pueden hallarla”.
Punto No. 14
TEXTO: “A dónde
vamos”
COMENTARIO: Lo que más nos impresiona del
grupo Vértebra es su confortable acondicionamiento a lo que Ortega y Gasset
llama el Hombre y su Circunstancia, el “Yo, aquí, ahora”. Constituye una magnífica exposición de un
estado de ánimo ideal para el conformista y el bien adaptado pero como si esto
fuera poco, también saben exactamente la dirección a tomar.
“Todo lo que se oponga a esta
voluntad irreductible de descubrimiento es –si no del dominio de la
muerte, puesto que no hay muerte en el
arte- una parálisis de las facultades, las más fecundas del
artista. Por eso debemos proclamar la necesidad de
mantener la libertad del descubrimiento contra todo lo que pretenda fijar de
antemano la dirección a seguir”.
Malraux.
(Nota del autor.- Los
subrayados son míos). MARGOT
FANJUL
(Publicado en El
Imparcial el 21 de marzo de 1969).
Fuente: Hemeroteca Nacional Clemente
Marroquín Rojas, julio 2014. / Edición e introducción El Azar Cultural.
Imagen: Daniel Schafer, diseños para Galería DS. Galería DS una celebración 50 años después. Pinturas de Roberto Cabrera, agosto 1968. Pintura del ´59 al ´68 de Margot Fanjul, julio 1968. Obra gráfica en serigrafía por ArtePapel S.A Edición de 50, Guatemala, julio 2014.
